毕加索与他的立体主义
摘要：就像没有人会怀疑太阳从东方升起一样，同样没有人会怀疑毕加索对人类美术发展做出的巨大贡献。他所创造的立体主义艺术颠覆了人们过往的艺术观念以及人生态度，引领人们进入了一个充满激情与梦幻的崭新时代。人们有评价毕加索为疯子，有讽刺他老夫娶少妻，而他在我心中永远是一直为艺术奔波的伟大画家，他的作品白雪难和，他画苑冠冕。终其一生，他的艺术在西方以及中国的绘画史上产生了及其重大的影响。
关键字：立体主义
正文：
经典的力量是巨大的。但是经典的篇幅也是巨大的。在这白驹过隙转瞬千里的时代，还有谁能安下心来如老僧奉经般去苦读经典？而对于伟大的艺术品来说，能够真真正正读懂画家思想的又能有几个？拂去铅华，走进毕加索，我们能够有别一样的体会，能够亲身触摸到大师的风采，能够感悟优秀画作灵魂之所在。毕加索给我的体会是深刻的，他的一生让人崇敬，让人佩服，他的立体主义更是让我油然而生敬佩之情。
毕加索1881年出生在西班牙马拉加，长期在法国进行艺术创造活动。是现代西方最具有创造性和影响最深远的艺术家之一，立体画派创始人，他和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。毕加索是位多产的画家。据统计，他的作品总计近3.7万件，包括油画1885幅，素描7089幅，版画20000幅，平版画6121幅。他为20世纪的艺术史留下了浓墨重彩的一笔，人们称它为“人类艺术史上罕见的天才”。他画风多变，不断创新。有时候倾向于原始艺术或写实主义创作，有时又追求形式上的奇异或浪漫主义氛围。对现代艺术的发展有非常重要的影响。他的作品有《弹曼陀林的少女》、《阿尔夫人》、《手风琴师》、《格尔尼卡》等。
毕加索的作品通常被分为以下几个时期，大致是“蓝色时期”（1901—1904年)、“玫瑰时期”（1904—1906年）、“立体派时期”（1917—1924年）和“晚期”（1912—1972年)。
在“蓝色时期”，毕加索因为受到了他朋友自杀和他自己在西班牙孤单旅行的影响，使得他在这一时期的画作呈现出阴郁的感觉。在“玫瑰时期”，毕加索因为受到与费尔南德之间的甜蜜关系的影响，使得这一时期的画作大量采用鲜明、乐观的橘、粉红色系。在“立体派时期”，毕加索看到了黑人原始、大胆、强烈的造型的，使得毕加索受到了极大地启发。毕加索的立体派，基本上不是纯美学的，而是走向理性的、抽象的，将物体重新构成、组合，带给我更新更深刻的感受。走进毕加索你能够感受到他的作品受当时社会情况的影响非常大，他的画风随着当时社会对他的影响而改变，尤其是他的立体主义，受当时社会风气和黑人品质的影响及其的大。毕加索是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格。他的才能在于创新，他的各种变异风格中也能体现出他的才能，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到内部的统一与和谐。他有过登峰造极的境界，他的作品不论是陶瓷、版画、雕刻都如童稚般的游戏。在他一生中，从来没有特定的老师，也没有特定的子弟，但凡是在二十世纪活跃的画家，没有一个人能将毕加索打开的前进道路完全迂回而进。
30岁以后毕加索进入一个又一个不安分的探索时期，他的作品和他的生活一样没有丝毫的统一，连续和稳定。他没有固定的主意，而且花样繁多，或激昂或狂躁，或可亲或可憎，或诚挚或装假，变化无常不可捉摸，但他永远忠于的是——自由。世界上从来没有一位画家像毕加索那样以惊人的坦诚之心和天真无邪的创造力，以完全彻底的自由任意重造世界，随心所欲地行使他的威力。他不要规定，不要偏见，什么都不要，又什么都想要去创造。他在艺术历程上没有规律可循，从自然主义到表现主义，从古典主义到浪漫主义，然后又回到现
实主义。从具象到抽象，来来去去，他反对一切束缚和宇宙间所有神圣的看法，只有绝对自由才适合他。
毕加索的绘画有两个主要的特征，第一，始终走在绘画的前延，开创了几个现代绘画界还在学习的流派；第二，他的一生对事物的触摸和感知,最离不开的是女人,可以这么说,他的绘画是女人给予的灵感。毕加索的立体主义将人类的绘画艺术又带入了一个崭新的时代，他将他的画作展现于我们的世界观中，他让我们又迎来了一个崭新的画派。在此时的20世纪，由毕加索掀起了一股绘画新风艺的浪潮。此时期的画家都着重于大胆创新，开拓进取。毕加索的新奇思想也让这一时期的商家看准了商机，让此时的欧洲乃至西方世界的绘画走向了一个新的高潮。20世纪的绘画主要着重于毕加索开创的立体主义，立体主义画风适应新一代社会发展的需求，它能够满足西方社会对美的追求，虽然他的画作走在了时代的前沿，但是西方社会早已对此追求，这正符合潮流人们的需求，也能够满足西方社会的文化艺术要求。
毕加索的探索，不仅局限在绘画上，早在进行立体主义实验之际，他就创作过不少立体主义雕塑，在他漫长的创作生涯中，雕塑始终与绘画相伴，成为让他翱翔的双翼。他的立体主义绘画和立体主义雕塑已经到了炉火纯青的地步，他不仅绘画走在20世纪的前沿，而且雕塑也已经走在了时代前沿。这也将引领人们进行新一代改革。
走在时代前沿，触摸灵魂的高度，你我品味大师的风姿卓越。美术鉴赏的灵魂所在在于走进大师的精神之中，将自己完全融入到新的作品之中，细细品读，慢慢回味，绘画中有好多留白，那些留白需要我们身临其境去品味，去走进那些空白的地方遐想，这样也会有好多意想不到的精彩。毕加索的立体主义绘画将人类各式各样的形态通过他自己的想象来进行创作，他的立体主义将人类社会的现实展现的淋漓尽致，尤其是他的《格尔尼卡》，这幅画中扭曲变形的人物物体将人类在战争中表现出来的各种形象刻画的非常到位，也让我们能够感受到他的精神之所在。毕加索这一立体主义画风也跟文艺复兴时期的画风有着千丝万缕的联系，他的立体主义也体现着人物的人体美性。但是毕加索的画法彻底打破了自意大利文艺复兴之始的五百年来透视法对画家的限制，他是围绕人物物体180度之后，仔细审视物体的形象特征之后将透视法施展开来。他的立体主义不仅在风格上进行了创新，而且在画法上进行了大胆的尝试，不愧为艺术史上的天才。
立体主义画风带动了我们未来绘画领域的革新，他将人类世界完美的物体毫无保留的展现出来，立体主义画派不仅增添了西方社会的艺术品市场，而且带动了西方绘画界一步一步走向新的天地，促进了资本主义思想的传播，促进了西方社会的进一步发展。毕加索不仅是一位绘画天才，而且是一位敢于大胆创新的勇士，他的品质值得我们每一个人学习，在未来的学习工作生涯中，我们应该多多汲取毕加索留给我们后人的经验那样克服了孤独，和品质，始终挑战自己，始终不放弃。刘同刚写了一本书名为《你的孤独，虽败犹荣》，绘画，学习，工作，生活中难免会有孤独相伴，但当你像毕加索那样克服了孤独，不管成败，你都会成为我们的骄傲。这样，在我们未来的人生旅途中能够有非常精彩的人生。毕加索的风采，他的创新让我佩服，让我始终向他看齐。
参考文献：
《毕加索的成败》作者（英）伯格著，连德诚译广西师范大学出版社《西方美术史》（教育部卫星电视艺术教育丛书）作者王瑞廷著中央广播电视大学出版社
科学与艺术最美的遇见 科技的“机械味”与艺术的“文艺范”似乎是两条不相交的平行线，却怎知也会遭遇最美的“遇见”，从爱因斯坦到钱学森，古往今来，不乏以科学成果闻名的音乐“发烧友”。近日，在香港科技大学持续两周的“创意间的亲昵”音乐会上，这种最美的遇见展现得淋漓尽致——享誉国际的音乐大师遭遇学生尖锐的质疑，整日与数字为伴的理工科学子提出让大师称赞的创意。科技大学里的文艺范儿别有一番意味。 一曲“几何学”拉近了彼此 “萤火虫是这样的吗？您为什么会想到这样去…表达?萤火虫？” 4月23日下午，香港科技大学展艺厅，在一曲名叫“萤火虫”的交响曲结束后，有学生向演奏家提出了疑问。 这是香港科技大学“创意间的亲昵”音乐会排练现场，音乐会由著名华人作曲家盛宗亮积极推动而成，今年已是连续举办的第三届。 已连续两年参加音乐会的香港科技大学计算机科学及工程学系研究生郑爽介绍，“创意间的亲昵”音乐会是一场音乐家与大学生面对面的交流活动。其间，国际知名的音乐大师和年轻的音乐家，将通过讲座、公开排练、讨论会等形式与学生共享音乐创作的过程。音乐家要向学生展示自己的作品，并接受学生的质疑。 郑爽正准备听一场名叫“几何学”的乐曲排练，整日与数学打交道的她，从没想过数学概念可以通过交响曲的形式表达，因此想要一探究竟。 作为理工科学生的郑爽并不掩饰自己音乐知识的匮乏，她笑称自己这是去“打酱油”，但打过几次“酱油”后竟发现这个“酱油”味道不错。 郑爽说，她本来以为音乐艺术的创作与自己的世界毫不沾边，可音乐会活动让她改变了想法。音乐会期间，通过聆听大师讲座和参与曲目排练的讨论，她发现大到曲目的结构和创造理念，小到一个节奏和音符，她都可以参与其中，甚至可以将自己的想法融入。 音乐会让理工高校有了不一样的氛围
毕加索的意义 （副标题：世界上永远年轻的画家） 毕加索是世界上知名度最高的绘画艺术家，网上的介绍挺多，到现在还是络绎不绝。他也是一生风流倜傥的非公子哥们；人们多数对于他的性爱趣闻津津乐道，一个人能够有这么多妞妞喜欢，说明他的男人魅力非同一般，（有钱人多了去）许多人做梦都想有毕加索那样的翘人艳绩，但一觉醒来却仍可怜兮兮地摇头叹气，遗憾自己没有他的天赋与机遇，只有嘴巴上放胆侃聊一通的毕加索话题，再继续昏昏耗耗地涂涂抹抹；至于他绘画表现的大无畏扬弃精神且没几人敢学，真正能够理解他那艺术思想的人也为数不多乎。 毕加索是位多产画家，据统计，他的作品总计近37000件，包括：油画1885幅，素描7089幅，版画2000幅。在少年求学期间，毕加索就努力地研习传统的技巧和主题，16岁时就产生了象《第一次圣餐式》这样以宗教题材为描绘对象的作品，我们看看这幅油画的写实功力，比我们现在的油画研究生画得还好；但他毫不留情地放弃了这种画法，因为他清楚写实绘画在当时就是一种没有创新意义的艺术形式。他死的时候是91岁，可人们却还要把他称做“世界上最年轻的画家”。这是因为他在90岁高龄时，他每天开始画一幅新作品时，还要表现出对世界上的事物好像头次看到一样画出自己心中的视觉感受。他总是在探索新鲜与未知，寻找解决新语言的表现。他热心于扬弃已经熟练的老套且不安于现状而创新。正像他说的：“我的每一幅画中都装有我的血，这就是我的绘画含义。”我在中央美院的图书室里看过他的素描集，在厚厚的素描画册里，有不少是模仿中国绘画的水墨类尝试，其中一只大红公鸡有点类
似齐白石的大写意。他曾经对张大千说过；绘画艺术在中国，你干嘛来西方学美术？（大意是）这样说能反映他善于借鉴许多优秀的其它民族绘画艺术，精于吸取各国文化艺术形式的独有魅力。 他不到20岁时就走上探索新艺术表现手法的道路了，不停地变换造型语言的视觉美感。早年，他那玫瑰红时期的作品：人物表情似乎比较冷漠，但倾向于普通人性的关爱。画面除了色调的忧伤感觉外，已由先前蓝色时期那种无望的…小我?情绪中出走。摒弃暂时生存艰辛的悲哀之象征，继而是对人生充满斗志与兴趣的信心。后期则把绘画语言的表现转于非洲面具艺术的借鉴，使自己的画风惊世骇俗而突兀于巴黎当时的画坛。1915-20年间，他一度回归写实，但不是照搬物象真实的模拟，曾努力研究古典主义的绘画美感表现，但他的古典风格是绘画美感的仿古典视觉情趣，非照搬古典技法的复制。在1930年他又热衷于超现实主义的绘画语言，可他的绘画造型处理决不是照片式的模拟。第二次世界大战时，毕加索作油画《格尔尼卡》以抗议德、意侵略者对西班牙北部小镇格尔尼卡进行狂轰滥炸。这幅画是以立体、现实、超现实主义手法相结合的半抽象画，变形、扭曲和夸张的笔触以及几何色块堆积、表现了格尔尼卡人痛苦、受难和法西斯的残暴，曾引起世界画坛的轰动；好像已经挂在了联合国总部。晚年时期制作了大量的雕塑、版画和陶器等，他对西方当时的工艺设计都影响较甚；晚年亦有儿童嬉戏般的素描速写，随心所欲地天真率性把一个老人的返童美感发泄得淋漓尽致。 毕加索的作品对现代西方艺术家有着很大的影响。他是个不断变化艺术表现手法的探求者；印象派画家、后期印象派、野兽派的艺术家都被他影响过，致使他们都积极地探寻自己的绘画风格；他的思维意识可就死活
毕加索——我最欣赏的画家巴勃罗·毕加索（1881～1973）出生在西班牙马拉加，是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家，他和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。毕加索也是位多产画家，据统计，他的作品总计近37000 件，包括：油画1885 幅，素描7089 幅，版画20000 幅，平版画6121幅。 跟一生穷困潦倒的文森特·凡高不同，毕加索的一生辉煌之至，他是有史以来第一个活着亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。在1999年12月法国一家报纸进行的一次民意调查中，他以40％的高票当选为20世纪最伟大的十个画家之首。 毕加索的一生辉煌之至，他是有史以来第一个亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。问起他创作的秘诀时，毕加索说：“我的每一幅画中都装有我的血，这就是我的画的含义。” 多数画家在创造了一种适合于自己的绘画风格后，就不再改变了，特别是当他们的作品受到人们的欣赏时更是这样。随着艺术家的年岁增长，他们的绘画虽然也在变，可是变化不会很大了。而毕加索却像一位终生没有找到他的特殊艺术风格的画家，千方百计寻找完美的手法来表达他那不平静的心灵。 毕加索一生中画法和风格几经变化。也许是对人世无常的敏感与早熟，加上家境不佳，毕加索早期的作品风格充满了早熟的忧郁，早期画近似表现派的主题。在求学期间，毕加索努力地研习学院派的技巧和传统的主题，而产生了象《第一次圣餐式》这样以宗教题材为描绘对象的作品。德加的柔和的色调，与罗特列克所追逐的上流社会的题材，也是毕加索早年学习的对象。 1900年毕加索来到巴黎，并在1904年定居在那里。这期间他的创作被称为“蓝色时期”，是他第一次形成自己的风格。这个时期的作品背景蓝，人物蓝，头发、眉毛、眼睛皆蓝，蓝色主宰了他的作品。背景简化避开光感和深度的感觉，把人物和成简单的图样，其中沉重，强烈而流动的线条给人以不真实的、虚拟世界的印象。 1904年的春天，毕加索迁居巴黎，邂逅费尔南德·奥利维叶，并同居。他的蓝色风格时期也宣告结束。他从后印象派色调的精细中重新发现形体上的大略简洁笔法，而这就是“玫瑰时期”的典型画法。暖洋洋的、娇滴滴的玫瑰红色代替
1、什么是科学？什么是艺术？ 把握世界方式（美学理念）理性方式 (和谐、秩序、简洁、统一） 审美方式 (形象美、形式美、情感美) 追求的目标(创造的结果) 概念世界。具有普遍性、必然 性，是客观事物规律性的反 映。 形象世界。弘扬更典型、更普 遍、更理想的价值追求。 表述客观世界用概念的逻辑体系来表述客 观世界的运动规律，是不以人 的意志为转移的，并可以用逻 辑论证的方法和实验的方法， 由人们加以认证。表达的是个体的审美体验，它用艺术的形象，把历史与生活的真实与艺术家再现的历史与生活的内心情感统一起来，激发人们的美感。 认知的过程是一种理性的提升，保持科学 认识特有的严谨、冷静、客观 性与真实性。通过科学研究的 创造，探索发现客观世界的规 律,发明新的事物。是一种情感的提升，包容了个人的人生体验，在对物质与精神世界的领悟中，通过情景交融的艺术创造，展现人性的才华与魅力。 科学指发现、积累并公认的普遍真理或普遍定理的运用,已系统化和公式化了的知识。《辞海》中关于科学的定义：运用范畴、定理、定律等思维形式反映现实世界各种现象的本质的规律的知识体系。科学的分类包括自然科学，社会科学，应用科学和其他科学。特征是理性客观、可证伪、存在一个适用范围和普遍必然性。 艺术指人类群体或者个体对于审美知，以及审美之下的产物。将“艺术”定义为人类通过借助特殊的物质材料与工具，运用一定的审美能力和技巧，在精神与物质材料、心灵与审美对象的相互作用下，进行的充满激情与活力的创造性劳动。可以说它是一种精神文化的创造行为，是人的意识形态和生产形态的有机结合体。 2、什么是美商，它含有哪些能力？美商与大学生的关系？ 美商（BQ），全称美丽商数（Beauty Quotient），并不是指一个人的漂亮程度，而是一人对自身形象的关注程度，对美学和美感的理解力，甚至包括一个人在社交中对声音、仪态、言行、礼节等一切涉及到个人外在形象的因素的控制能力。 它包括 3、电影《放牛班的春天》《音乐之声》《世界建筑》等的观后对科学与艺术的感悟有哪些？ 《音乐之声》人类记忆中最值得珍惜和细细回味的艺术佳作，好莱坞音乐歌舞片中经典中的经典，电影史上绝妙的神来之笔。影片清新有致，细腻感人，雅俗共赏。既有幽默的情趣，又有深沉凝重的感情。 这两种文化代表着两种不同的精神，一种是科学精神、科学理性、求真的精神；一种是艺术精神、道德理性、求善的精神，人们希望它们统一起来。如果我们把它合在一起而不冲突，那么这就是一种美，一种和谐美。这是全人类未来的文化追求。科学和艺术应该携起手来，共同铸造一种伟大的人类精神。 4、试谈一下你所学专业的科学与艺术之美 5、简述现代人应有的科学与艺术的情怀。
科学与艺术的紧密结合 近些年来，关于科学与艺术的相互渗透、相互融合，已经成为一个热门话题，引起了社会公众的广泛关注。许多作家、科普作家、新闻工作者和科技工作者不仅积极参与讨论，而且热情投身于创作实践，写出了许多优秀的科学文艺作品，受到广大读者的欢迎，这是很可喜的。毫无疑问，这种探索与实践，对推动科学与艺术的进一步亲密结合，使近大众，走进生活，将产生重要而积极的影响。 这里，我想就科学与艺术怎样融合，如何推动科学与艺术的结合问题，谈一点粗浅看法，供讨论时参考。 一、科学与艺术有着共同的追求。 科学是反映自然、社会、思维等客观规律的知识体系和智慧结晶。通过对这些事物发展规律以新的认识和抽象，寻求客观真理的普遍性，是科学追求的目标；艺术是反映人类现实生活和表现人类思想感情的一种社会意识形态。通过对自然与社会中人类活动的认识和表现，寻求“真善美”的普遍性，是艺术追求的目标。由些可见，科学与艺术在反映的客观对象上虽然并不相同，但是，它们的追求目标在很多方面却是相同的。它们都属于人类文明的结晶和认知思维，属于人类文明的精华组成部分。 科学追求真，艺术追求美。真和美是辩证统一、密不可分的。没有真实，就没有科学，同样，也没有艺术。只有真实的，才是美的，只有真实地反映和表现生活，文学艺术才具有很强的生命力。同样，科学创造也是美丽的，科学探索客观真理，也在创造美，只有真实地总结、抽象自然现象，科学的原理和定理才带有普遍性。因此，真和美是科学和艺术的灵魂，是科学和艺术的共同追求。 科学和艺术的相互爱慕、联姻结合，创造和营造了五彩缤纷的世界。许多文学艺术作品都是从科学发现中找到灵感，许多科学发现和科学创造都是从文学艺术中得到启示，它们的相互融合、相互渗透、相互促进，已经成为科学与艺术发展的强大动力。 古今中外，凡是有所成就的科学和艺术大师，无不在科学与艺术方面都有着深厚的修养。达·芬奇不仅是一位伟大的画家，也是一位很有成就的解剖学、建筑学、机械学科学家。歌德是一位伟大的诗人，同时也是一位地质学、植物学家。爱因斯坦是举世闻名的科学大师，同时，也是一位出色的小提琴手，在构思相对论的时候：从自己优美的小提琴旋律中获得灵感。李政道是一位杰出的物理学家，自然界的“对称”使他获得美的灵感，他和杨振宇在对称与不对称中发现并提出了基本粒子弱互相作用条件下宇称不守恒定律，做出了科学的证明，从而获得诺贝尔物理奖。我国的一些著名科学家，有许多人同时也是著名的文学家，如郭沫若、华罗庚、苏步青、茅以升等，这的确是一种很有趣却又很合乎规律的现象。难怪一些年来，李政道、杨振宁，在向青年人传授科学思想时，总会不厌其烦地讲到文学、讲到艺术。李政道先生更是不遗余力地以极大热情推动科学与艺术的结合。 二、科学与艺术都钟情于创造性的劳动。 创造和创新是科学艺术的灵魂。李政道先生有一句名言：“科学与艺术是一枚硬币的两面，连结它们的是创造性。”这既是科学定理，又是艺术规律。因循守旧，人云亦云，墨守成规，照抄照搬；是科学艺术发展的绊脚石。相反，敢于标新立异，敢于异想天开，敢于超 越，敢为天下先，不断进行创造性思维，是科学艺术取得突破、取得成就的巨大动力。的确，科学与艺术之间存在着一种无法抗拒的吸引力。这种吸引力主要表现在创造性和创新性。法国著名作家福楼拜说过：“科学与艺术，在山脚下分手，在山顶上会合。”不断地创造和创新，是它们殊途同归，最终走到了一起。
毕加索与他的立体主义 摘要：就像没有人会怀疑太阳从东方升起一样，同样没有人会怀疑毕加索对人类美术发展做出的巨大贡献。他所创造的立体主义艺术颠覆了人们过往的艺术观念以及人生态度，引领人们进入了一个充满激情与梦幻的崭新时代。人们有评价毕加索为疯子，有讽刺他老夫娶少妻，而他在我心中永远是一直为艺术奔波的伟大画家，他的作品白雪难和，他画苑冠冕。终其一生，他的艺术在西方以及中国的绘画史上产生了及其重大的影响。 关键字：立体主义 正文： 经典的力量是巨大的。但是经典的篇幅也是巨大的。在这白驹过隙转瞬千里的时代，还有谁能安下心来如老僧奉经般去苦读经典？而对于伟大的艺术品来说，能够真真正正读懂画家思想的又能有几个？拂去铅华，走进毕加索，我们能够有别一样的体会，能够亲身触摸到大师的风采，能够感悟优秀画作灵魂之所在。毕加索给我的体会是深刻的，他的一生让人崇敬，让人佩服，他的立体主义更是让我油然而生敬佩之情。 毕加索1881年出生在西班牙马拉加，长期在法国进行艺术创造活动。是现代西方最具有创造性和影响最深远的艺术家之一，立体画派创始人，他和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。毕加索是位多产的画家。据统计，他的作品总计近3.7万件，包括油画1885幅，素描7089幅，版画20000幅，平版画6121幅。他为20世纪的艺术史留下了浓墨重彩的一笔，人们称它为“人类艺术史上罕见的天才”。他画风多变，不断创新。有时候倾向于原始艺术或写实主义创作，有时又追求形式上的奇异或浪漫主义氛围。对现代艺术的发展有非常重要的影响。他的作品有《弹曼陀林的少女》、《阿尔夫人》、《手风琴师》、《格尔尼卡》等。 毕加索的作品通常被分为以下几个时期，大致是“蓝色时期”（1901—1904年)、“玫瑰时期”（1904—1906年）、“立体派时期”（1917—1924年）和“晚期”（1912—1972年)。 在“蓝色时期”，毕加索因为受到了他朋友自杀和他自己在西班牙孤单旅行的影响，使得他在这一时期的画作呈现出阴郁的感觉。在“玫瑰时期”，毕加索因为受到与费尔南德之间的甜蜜关系的影响，使得这一时期的画作大量采用鲜明、乐观的橘、粉红色系。在“立体派时期”，毕加索看到了黑人原始、大胆、强烈的造型的，使得毕加索受到了极大地启发。毕加索的立体派，基本上不是纯美学的，而是走向理性的、抽象的，将物体重新构成、组合，带给我更新更深刻的感受。走进毕加索你能够感受到他的作品受当时社会情况的影响非常大，他的画风随着当时社会对他的影响而改变，尤其是他的立体主义，受当时社会风气和黑人品质的影响及其的大。毕加索是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格。他的才能在于创新，他的各种变异风格中也能体现出他的才能，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到内部的统一与和谐。他有过登峰造极的境界，他的作品不论是陶瓷、版画、雕刻都如童稚般的游戏。在他一生中，从来没有特定的老师，也没有特定的子弟，但凡是在二十世纪活跃的画家，没有一个人能将毕加索打开的前进道路完全迂回而进。 30岁以后毕加索进入一个又一个不安分的探索时期，他的作品和他的生活一样没有丝毫的统一，连续和稳定。他没有固定的主意，而且花样繁多，或激昂或狂躁，或可亲或可憎，或诚挚或装假，变化无常不可捉摸，但他永远忠于的是——自由。世界上从来没有一位画家像毕加索那样以惊人的坦诚之心和天真无邪的创造力，以完全彻底的自由任意重造世界，随心所欲地行使他的威力。他不要规定，不要偏见，什么都不要，又什么都想要去创造。他在艺术历程上没有规律可循，从自然主义到表现主义，从古典主义到浪漫主义，然后又回到现
从达芬奇谈科学与艺术 列奥纳多·达·芬奇，一个集画家、寓言家、雕塑家、发明家、哲学家、音乐家、医学家、生物学家、地理学家、建筑工程师和军事工程师于一身的大师。他是一位天才，他一面热心于艺术创作和理论研究，研究如何用线条与立体造型去表现形体的各种问题；另一方面他也同时研究自然科学，为了真实感人的艺术形象，他广泛地研究与绘画有关的光学、数学、地质学、生物学等多种学科。 从达芬奇的身上，可以看到科学与艺术的结合。所谓科学即反映自然、社会、思维等的客观规律的分科知识体系。而艺术的定义却是反映当地社会生活，满足人们精神需求的意识形态。在普通人的眼中美术应该是纯艺术的领域。然而在达芬奇看来绘画却是一门科学。但他毕竟认为绘画的主要方面是表现自然界的美，绘画的任务是艺术地再现自然。绘画既是现实的反映，那么，对人和自然界的研究也就成为画家的重要课题。这些研究应当包括：物体的空间关系、形态、明暗、色彩、运动和内部构造等方面。 在我个人看来，科学注重客观，注重物质；艺术注重主观，注重精神。但这并不表示科学与艺术是背道而驰的，相反，科学与艺术是相辅相成的。人们的主观想法、精神世界是来自于客观的物质世界的。正是因为有了物质，才会进一步激发人的思想和精神。人们脑海中的主观想法和精神世界又会反过来影响客观的物质世界。就拿绘画来说，绘画是人们对客观世界的想法的再现。要想较好的掌握绘画技能，我们对客观世界必须有一些科学的认识。就像达芬奇说的，要研究物体的空间关系、光反射给人眼的明暗及色彩、人眼的透视呈像等。再比如如果要刻画人物，则必须要对人体有较为深入到了解。正因如此，达芬奇也是一位非常伟大的解剖学家。只有掌握了一定的科学的分析方法，才能在绘画上有一定的造诣。 绘画表现了心中对客观世界的感受，反之，它也可以改变我们的客观世界。绘画可以作为我们改变客观世界的工具。比如当我们对色彩有一定的了解后，我们会用不同的色彩来改变我们周围的环境，从而带给人们不同的心理感受。医院会用白色为主要的室内色彩，以此给病人平静心安的感受；幼儿园则会再用纯度和明度较高的色彩给小朋友带了勃勃向上充满生机的感觉。再例如达芬奇创造的三视图的画法，至今都是设计领域极为重要设计手法。把立体的实物分为主视图，俯视图，左视图三个平面来表达。这样的表达方法可以确切的表达出物体的外形，同时这也是一种将空间转化为平面的思维方法，对于设计思路也会带来与以往不同的启发。 人们熟知的达芬奇是一个画家，而我眼中的达芬奇还是一个对自然世界有着广泛和深入研究的科学家。可以说绘画激发了他对自然世界的探索，但同时也可以说对自然世界的探索和认识成就了他的绘画事业。
浅析毕加索的艺术成就 毕加索是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格。他的才能在于，他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到内部的统一与和谐。他有过登峰造极的境界，他的作品不论是陶瓷、版画、雕刻都如童稚般的游戏。在他一生中，从来没有特定的老师，也没有特定的子弟，但凡是在二十世纪活跃的画家，没有一个人能将毕加索打开的前进道路完全迂回而进。 “你自己就是个太阳，你腹中有着千道光芒。除此外则别无所有。”毕加索对埃．泰蕾阿德所说的这句话正是他自己的写照。 与一生穷困潦倒的凡高不同，毕加索的一生辉煌之至。他的作品总计近37000件，包括油画1885幅、素描7089幅、版画20000幅、平版画6121幅，全世界前10名最高拍卖价的画作里面，毕加索的作品就占据4幅。他是有史以来第一个活着亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家，他的耀眼光芒至今没有衰退。 他在童年时期就已发出了和别的孩子不同的艺术光芒，很小的时候就在马拉加得到金牌奖。那便是他的“童年时期”。接着他开始了他的蓝色时期，在那一时期，他采用浓郁的蓝色，表现贫老与孤独的苦难。但当他邂逅费尔南德·奥利维叶并陷入爱河时，他的玫瑰时期也随之而来.毕加索不满于现在的成就，依旧不断努力，创作了《斯坦因画像》，它是毕加索从“玫瑰时期”跃入“立体主义”的跳板。当他意大利邂逅舞者欧嘉时，他又开始了古典主义时期。继而毕加索又开始了那超现实主义的画作。 1900年的2月1日，在朋友们的筹划下，举办了他在“四只猫”俱乐部的首次展览。毕加索的素描被挂在烟渍累累的墙上，150幅首次公开展出的作品，大部分是关于那些画家、诗人与音乐家朋友们的速写。可惜出师不利，观众对此反应平平，外界对此也十分淡漠。从商业角度看更是收益甚微，卖出去的画少得可怜、价格也低得可怜。现在，毕加索比任何时候都向往巴黎。巴黎，世界艺术的中心，现代主义的营垒。 随着生活的稳定，他有更多的时间沉湎于艺术的海洋里。他终日流连于卢浮宫，贪婪的吮吸着各种各样流派的绘画风格和他所能吸取的养分。这种美学上的博采众长，使他的画面颜色渐淡亦使风格改变——从传统走向现代，绘画主题也日益多样化。 1901年毕加索重返巴黎，此时的他已有足够的实力支付路费了。到巴黎后他的情绪趋于平静。随着风格的突破，创作数量巨增。在巴黎，他感觉到创作裸体画的自由，绘制了一系列的作品，以体现出在西班牙时受到压抑的性解放。 毕加索执着地探索着，实践着，正当毕加索感到精疲力竭并准备重新开始的时候，一个蒙马特尔的艺术家邀请他去荷兰度假。毕加索欣然前往，并在荷兰创作了《美丽的荷兰女子》、《戴帽的荷兰女子》等画。荷兰度假，是他创作中的一个值得欢迎的巨大转变，他已把那个已经衰落了的蓝色王国抛在了身后。这个转变，也加速了他从贫穷向富裕过渡的转变。 1905年，“野兽派”诞生了。马蒂斯是画派的代表。他们对于古典艺术的绘画方式提出质疑，强调主体的感觉，注重直觉的理念并试图用一些抽象概括的形体和夸张、强烈的颜色来表现直觉的感受。他们放弃了传统的明暗表现方式，用大线条、大色块和极其夸张概括的形体。这些作品在巴黎展出时，引起了轩然大波。毕加索受他们的影响进入了自己的第一个古典主义时期，作品《土耳其装束的夫人》和《立着的裸女》表现出他对艺术形式无休无止的探索。他预示着毕加索艺术思想中的一个新的倾向，他追求古典式的单纯线条，匀称和永
自由的艺术家—毕加索 毕加索是近现代主义的先锋。有人说，“20世纪是属于毕加索的世纪”这话一点都没错，他凭借自己多变的画风和不朽的画作为这个世纪的艺术贡献了自己最大的力量。在20世纪，没有一位艺术家能像毕加索一样，画风多变而人尽皆知。毕加索在我眼中是个单纯者，一个单纯地追求自由的艺术家，并永远忠于自由地创造艺术。正是因为追求自由，毕加索的艺术才没有规律可循，不要规定，不要偏见，什么都不要，以完全彻底的自由，任意重塑世界。艺术是毕加索的全部，自由则是毕加索的灵魂。毕加索的作品涉及多个方面，从版画、陶瓷到雕刻、绘画、素描。从超现实主义到印象派、野兽派。毕加索不仅给了我们艺术的震撼，更从他的创作中我们学到了人生的艺术。他的作品没有固定的主意，而且花样繁多，或激昂或狂躁，或可亲或可憎，或诚挚或装假，变化无常不可捉摸，但他永远忠于的是——自由。世界上从来没有一位画家像毕加索那样以惊人的坦诚之心和天真无邪的创造力，以完全彻底的自由任意重造世界，随心所欲地行使他的威力。他不要规定，不要偏见，什么都不要，又什么都想要去创造。他在艺术历程上没有规律可循，从自然主义到表现主义，从古典主义到浪漫主义，然后又回到现实主义。从具到抽象，来来去去，只有绝对自由才适合他。毕加索绘画的主要趋势是丰富的造型手段，即空间、色彩与线的运用。他的一生分为几个时期：“蓝色时期”、“玫瑰红时期”、“黑人时期”、“立体主义时期”，分成分解和综合两种形式“古典主义时期”、“超现实主义时期”最后是“抽象主义时期”。 我最喜欢的就是毕加索最著名的油画《格尔尼卡》，这是在1937年的大奥古斯丁路的新工作坊内创作的，也是毕加索具有重大影响及历史意义的超现实主义杰作。此画是受西班牙共和国政府的委托，为1937年在巴黎举行的国际博览会西班牙馆而创作。画中表现的是1937年德国空军疯狂轰炸西班牙小城格尔尼卡的暴行。作为一个一个人道主义者，毕加索本对政治毫不关心，然而对于这样的野蛮行径，他表现出了无比的愤慨，他用了一个半月完成这幅巨作，作为对法西斯兽行的遣责和抗议。 毕加索虽然热衷于前卫艺术创新，然而却并不放弃对现实的表现，然而他此画的对于现实的表现，却与传统现实主义的表现方法截然不同。他画中那种丰富的象征性，在普通现实主义的作品中是很难找到的。当然，画中也有许多现实情景的描绘。画的右边，一个失去孩子的母亲怀抱死去的孩童仰天痛哭，她的下方是一个手握鲜花与断剑张臂倒地的士兵。画的左边，一个惊慌失措的男人高举双手仰天尖叫，离他不远处，那个俯身奔逃的女子是那样地仓惶，以致她的后腿似乎跟不上而远远落在了身后。这一切，都是可怕的空炸中受难者的真实写照。画中的诸多图像反映了画家对于传统绘画因素的吸收。那个怀抱死去孩子的母亲图像，似乎是源自哀悼基督的圣母像传统；手持油灯的女人，使人联想起自由女
对毕加索的人物评价 毕加索（1881～1973）出生在西班牙，是当代西方最有创造性和 影响最深远的艺术家，他和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。毕加索是位多产画家，据统计，他的作品总计近 37000 件，包括： 油画 1885 幅，素描 7089 幅，版画 20000 幅，平版画 6121幅。 跟一生穷困潦倒的文森特?凡高不同，毕加索的一生辉煌之至， 他是有史以来第一个活着亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。在1999年12月法国一家报纸进行的一次民意调查中，他以40％的高票当选为20世纪最伟大的十个画家之首。 对于作品，毕加索说：“我的每一幅画中都装有我的血，这就是我的画的含义。”面对勤奋的毕加索和天才的创作，你会不会毕恭毕敬呢？ 毕加索一生中画法和风格几经变化，人们试图划分毕加索的创作阶段。但这并不是轻而易举的：他每两三年都要用一些绘画上的创造发明把批评家们难住……研究者们规定了许许多多时期：“蓝色时期”、“玫瑰红时期”、“黑人时期”、“立体主义时期”、“古典主义时期”、“超现实主义时期”、“抽象主义时期”。 也许是对人世无常的敏感与早熟，加上家境不佳，毕加索早期的作品风格充满了早熟的忧郁。早期画近似表现派的主题；在求学期间，毕加索努力地研习学院派的技巧和传统的主题，而产生了象《第一次圣餐式》这样以宗教题材为描绘对象的作品。德加的柔和的色调，与
罗特列克所追逐的上流社会的题材，也是毕加索早年学习的对象。在《嘉列特磨坊》、《喝苦艾酒的女人》等画作中，总看到用罗特列克手法经营着浮动的声光魅影，暧昧地流动着款款哀伤。毕加索十四岁那年与父母移居巴塞罗那，见识了当地的新艺术与思想，然而正当他跃跃欲试之际，却碰上当时西班牙殖民地战争失利，政治激烈的变动导致人民一幕幕悲惨的景象；身为重镇的巴塞罗那更是首当其冲。也许是这种兴奋与绝望的双重刺激，使得毕加索潜意识里孕育着蓝色时期的忧郁动力。 后期画注目于原始艺术，简化形象。1915-1920年，画风一度转入写实。1930年又明显的倾向于超现实主义。第二次世界大战时，毕加索作油画《格尔尼卡》抗议德、意法西斯对西班牙北部小镇格尔尼卡进行狂轰滥炸。这幅画是毕加索最著名的一幅以立体主义、现实主义和超现实主义手法相结合的抽象画，剧烈变形、扭曲和夸张的笔触以及几何彩块堆积、造型抽象，表现了痛苦、受难和兽性，表达了毕加索多种复杂的情感。晚期制作了大量的雕塑、版画和陶器等，亦有杰出的成就。毕加索从十九世纪末从事艺术活动，一直持续到二十世纪七十年代，毕加索是整个二十世纪最具有影响力的现代派画家。毕加索的作品对现代西方艺术流派有着很大的影响。 毕加索是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改选为自己的风格。他的才能在于，他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使
现代派艺术的领袖—毕加索 帕布罗·毕加索（1881-1973年）是20世纪最负盛名的西班牙画家。在他的一生中，毕加索献身艺术近80年，与整个20世纪现代艺术的发展相伴而行，并为现代艺术做出了意义重大的贡献。他有源源不断的创作灵感，为后世留下了几万件作品，其中包括油画、雕塑、陶瓷作品、铜版画、石版画、素描等等，被人誉为“美术界的爱因斯坦”。这位艺术家有着非凡的独创力和想象力，他一生都在追求，先后经历了蓝色时期、玫瑰色时期、立体主义时期、新现实主义时期、超现实主义时期，是现代派艺术界当之无愧的领袖。同时这位感情丰富、具有一双“忧郁、锐利”眼睛的西班牙人也为后世留下了很多的故事。 靠雪茄复活的天才 这位被人们称为“20世纪最杰出、最令人信服、最变幻无常、最具诱惑力和最神圣的艺术家”毕加索，于1881年10月25日夜里诞生在西班牙南部美丽的海滨城市马拉加。 然而，天才的毕加索却是以死亡的形式来到这个世界的。10月25日夜11时15分，精疲力竭的唐娜·玛丽亚·毕加索·德·路兹产下了一个男婴。但这个男婴没有放声大哭。经验丰富的接生婆将婴儿倒提，抖了几下；又翻过来拍他的屁股；再掰婴儿的小嘴，但都无济于事，婴儿仍没发出一点响声。大家都以为是个死婴，婴儿的父亲唐·何塞·路兹难过得直叹气，唐·何塞的弟弟是个医生，他抽着雪茄，俯身看着婴儿的脸，然后深深地吸了一大口雪茄，对着婴儿的小鼻孔吹了进去。奇迹出现了，婴儿的手和脚都动了起来，嘴里哇的一声就发出了公牛般的怒吼。路兹一家欣喜若狂。多年以后，当人们对毕加索的神奇艺术津津乐道之时，他的叔叔总是骄傲地告诉大家这是他的雪茄烟雾创造的。 父亲是一位美术教师，可能是毕加索遗传父亲的基因较多，他从小就表现出美术方面的非凡才能。据毕加索的母亲回忆，他咿呀学语时的第一个字就是“北”（铅笔在他的儿语里就成了北），他喊着要“北，北”，于是母亲就给了他一支铅笔，毕加索就在纸上画了一些螺旋形的东西，意思是要一个长长的螺旋形的热甜饼，尚未学会说话的孩子，竟会用绘画来表达自己的愿望，简直是奇迹。 于是，毕加索从父亲那里得到了纸和铅笔，开始了他的绘画生涯。正如毕加索自己说的“7岁时就可以画学院式的素描，而且巨细靡遗，颇为精确” 。当别的孩子还在玩玻璃球的时候,毕加索的画可以放到博物馆展出了。 1891，毕加索全家搬到了科鲁那，他的父亲应聘到那里的一家美术学校工作。毕加索就被安排在父亲的班上开始了正规的艺术学习，很短的时间内，毕加索就掌握了素描的基本技巧，并显示出了惊人的观察力。这时期他的作品所达到的完美程度，几乎令人难以相信作者如此之年幼。作为教师的父亲最清楚不过的事，就是他的班上出了一个了不起的天才。 1895年，毕加索的父亲与一位巴塞罗那的美术教师对换了工作，全家又迁到了巴塞罗那。毕加索以优异的成绩考到了那里的美术学校，使人吃惊的事，他只用一天的时间就画完了按规定允许画一个月的考试作业。 1897年，毕加索创作了油画《科学与仁爱》，参加当年“马德里全国画展”，后来又在“马加拉什美展”上获金奖。画中“科学”的化身是那位正给垂危妇人诊脉的医生，是以他的父亲为模特所作的。“仁爱”的化身是修女抱孩送水，病妇的模特是街上的乞女。这幅画采用严谨的写实技法创作，是少年时代毕加索的代表作。 同年秋天，毕加索考入了西班牙最高的美术学府——圣费尔南多皇家美术学院，因袭保守的教学方式使他感到厌倦，他常去普拉多博物馆临摹大师的作品。1898年毕加索因患
他一生中画法和风格几经变化：第一时期是："蓝色时期";第二时期是："玫瑰红时期";第三时期是："黑人时期";第四时期是："立体主义时期"，分成分解和综合两种形式;第五时期是："古典主义时期";第六时期是："超现实主义时期";最后是"抽象主义时期"。 毕加索一生是个不断变化艺术手法的探求者，印象派、后期印象派、野兽的艺术手法都被他汲取改造为自己的风格。他的才能在于，他的各种变异风格中，都保持自己粗犷刚劲的个性，而且在各种手法的使用中，都能达到内部的统一与和谐。他有过登峰造极的境界，他的作品不论是陶瓷、版画、绘画、雕刻都如童稚般的游戏。 帕布洛·毕加索1881年生于马拉加。尽管从半个世纪以来，毕加索参加了法国绘画的一切冒险，他终归还是西班牙人。在其思想，秉性中带着奢侈，悲惨和沉重的西班传统。他在自己的油画、雕塑、版画和陶器中挥霍着它，但却从未用竭，这点是非常显著的。但是谁要想在他的作品、词汇、章法、主题中单单找出这个混合的、豪华的、以东方文明的神话和形式、原始的手法、和布匿的模糊影响养育出的西班牙来，那将是一种追求系统化的妄想。对其天分的形成起过最重要作用的是贡哥拉和戈雅的西班牙，高迪的巴洛克建筑的西班牙，卡塔卢西亚的无政府主义和造反主义，是极为特殊、热情，具有破坏性的剧烈，狂热的西班牙。不管怎么说，没有一个在法国生活和工作的外国画家比他更多地消融于法国风俗精神之中，也没有一个能证明自己比他更忠实于根。在毕加索身上，一切都是矛盾：他的生活、他的特点、他的作品。 毕加索的父亲若泽·卢依兹·索拉斯柯是巴斯克人，图画教员。母亲玛丽亚·毕加索是马略尔卡人，祖籍热那亚。当别的孩子还在玩玻璃球的时候，毕加索已经画出完全可以放到博物馆里展出的画了。1900年，他来到巴黎，倾心于凡高的作品和图卢兹·劳特累克画的蒙马特场面。在他这一时期以及"兰色时期"(1901～1904年)的作品中，可以看出劳特累克明显的影响。他关心的对象是穷人、病人和生活中的可怜人。他重新拿起西班牙最珍视的题材----贫穷、孤独、悲哀，但指导思想却是要用他在与蒙马特素描画家接触中加以单纯化的手法去影响法国绘画。他越来越精确地画着单个的或组合的人物，把他们的形拉长或缩小，以便给予戏剧性的表现。在近乎单色的油画中，他使用一种神秘的、深夜一般的兰色调。这时的毕加索只有二十三岁，但名气已不仅只限于他的朋友们这个小圈子了。
科学与艺术的关系 让柏拉图与你为友，让亚里士多德与你为友，更重要的是让科学与你为友。 这是哈佛大学校训，这里我想补充一点：不仅让科学与你为友，你还要学会驾驭艺术的手段。 自古以来，科学与艺术便有着千丝万缕的联系，随着人类认知能力的不断提升，两者之间的区别日渐模糊，开始朝着统一的方向趋化。科学的起源是对自然现象的观察、观照、实验及人们为改善生存环境和生活质量而进行的一种实践；艺术的起源是人类的社会生产、劳动实践、人类不断提高的生存能力的运用和人类思维能力的分化。科学与艺术是人类整体文化的两朵奇葩，是人类认识世界和改造世界的不同手段，是具有不同规律但又相互紧密联系的两个领域。 关于科学与艺术的关系，可以引用华裔科学家、1957年诺贝尔物理奖获得者李政道的一段简洁而精辟的描述： “科学和艺术是不可分割的，就像一枚硬币的两面。它们共同的基础是人类的创造力，他们追求的目标都是真理的普遍性。 艺术，例如诗歌、绘画、音乐等等，用创新的手法去唤起每个人的意识或潜意识中深藏着的、已经存在的情感。情感越珍贵，唤起越强烈，反响越普遍，艺术就越优秀。 科学，例如天文学、物理、化学、生物等，对自然界的现象进行新的准确的抽象。科学家抽象的阐述越简单，应用越广泛，科学创造就越深刻。尽管自然现象本身不以科学家而存在，但对自然现象的抽象和总结属于人类智慧的结晶，这和艺术家的创造是一样的。 艺术和科学的共同基础是人类的创造力，它们追求的目标都是真理的普遍性。科学家追求的普遍性不同于自然现象的普遍性，是人类对自然现象的抽象和总结，适用于所有的自然现象。它的真理性植根于科学家以外的外部世界，科学家和整个人类只是这个外部世界的一个组成部分。艺术家追求的普遍真理性也是外在的，植根于整个人类，没有时间和空间的界限。尽管科学的普遍性和艺术的普遍性并不完全相同，但它们之间有着很强的关联。因此，科学和艺术的关系是同智慧和情感的二元性密切相联的。” 从李政道先生的话可以看出，科学与艺术在起源角度上看本是同根生，后来随着学科的分化才走上不同的道路：艺术在于用创新的手法唤醒人么意识或者潜
毕加索 姓名：宋紫豪 学号： 13124343
1906年至1910年非洲时期(黑人时期) 1906年毕加索从德兰的非洲面具中得到启发，直至年底，其作品一直受非洲面具影响，此即为毕加索的非洲时期。他笔下的人体健硕而深沉，这种特征，在1907年的《阿威农的姑娘》中显露无遗，由不同组件组成的人体可从几个角度来观看，揭示毕加索的立体主义时期的来临。然而，整个时期仍有受塞尚影响的痕迹。 1910年至1914年分析立体主义（综合） 毕加索进入了立体主义时期。这一时期的创作特点是，“不去描绘客观物体的外表形态，而是把客观物体引入绘画，从而将表现具象的物体本身和表现抽象的结构形态综合起来。”同时，赋予形式意味的构图和画面最终的震撼力，形态穿插闪躲于几何之间，色彩从单一变成复色。另外，为了更仔细地分解对象的造形，毕加索以及其他立体主义绘画者也倾向选择较单纯的主题来作画，比如静物、肖像、人体等等，至于他以前关心的斗牛、巴黎夜生活、小丑、穷人等题材，则难以融入到这个新风格中。毕加索以大量的创作来探索这种风格，比如在《斜躺的裸女》、《站立的裸女》等人体作品中，他以浓重的轮廓线勾勒出身体的各个部位，尤其强调椭圆形的乳房和折曲的四肢，藉由块状的结构组成扭曲的躯体；相反的，在五官的描绘上则简略得几乎不可辨识，背景也仅只是布满笔触的简单色块 1914年，战争使立体主义画家分道扬镳，各奔前程。毕加索重拾自由与个人在色彩上的品味，还有那旺盛的精力。无论从风格与绘画的对象上，他的“立体印象派”创作变得更加自由。纵观他的所有作品，他并未把自己局限于立体主义，而是继续从各方面探索。 20世纪20年代中期至30年代初超现实主义时期 20世纪20年代中期至30年代初，是毕加索创作的超现实主义时期，其创作特点是将生与死，梦境与现实统一起来，具有神秘、恐怖、怪诞的气氛。这时期的作品包括《雕塑家》等。 《雕塑家》是以毕加索的情人玛丽·泰瑞莎的形象为蓝本设计的。玛丽·泰瑞莎的形象被描绘成画面左边的胸像，这尊胸像形体巨大、色彩鲜明，和雕塑家身后台座上的白色雕像有着截然不同的魅力。画中雕塑家正支着头注视着他的作品，彷佛正思考要如何进行下一步。这种雕塑家及其作品的主题，往往令人想起希腊神话中的毕马龙对于现实生活中的女性兴趣缺缺，反而爱上自己的作品。另外，这一时期毕加索正在实验各种变形的手法，在这件作品中，他对于变形的处理诉诸平面化与图案化。毕加索运用大量夸张的曲线勾勒出形体的轮廓，其中雕塑家和胸像的脸部造形相对较为清晰可辨，彷佛在强调两人对望的情景，而远离头部的手、脚与家具等造形则激烈地扭曲、断裂，甚至和其他形体的线条连在一起。毕加索也将许多轮廓线加以延长，而切割出不同的区域，色彩就如同填色游戏般涂绘在各区域中。此外毕加索也强调装饰的效果，他在部分线条的周围加上点状装饰，使得平涂的色块变的层次丰富。
有人说，“20世纪是属于毕加索的世纪”这话一点都没错，他凭借自己多变的画风和不朽的画作为这个世纪的艺术贡献了自己最大的力量。在20世纪，没有一位艺术家能像毕加索一样，画风多变而人尽皆知。 毕加索在我眼中是个单纯者，一个单纯地追求自由的艺术家，并永远忠于自由地创造艺术。正是因为追求自由，毕加索的艺术才没有规律可循，不要规定，不要偏见，什么都不要，以完全彻底的自由，任意重塑世界。艺术是毕加索的全部，自由则是毕加索的灵魂。毕加索的作品涉及多个方面，从版画、陶瓷到雕刻、绘画、素描。从超现实主义到印象派、野兽派。毕加索不仅给了我们艺术的震撼，更从他的创作中我们学到了人生的艺术。他的作品没有固定的主意，而且花样繁多，或激昂或狂躁，或可亲或可憎，或诚挚或装假，变化无常不可捉摸，但他永远忠于的是——自由。世界上从来没有一位画家像毕加索那样以惊人的坦诚之心和天真无邪的创造力，以完全彻底的自由任意重造世界，随心所欲地行使他的威力。他不要规定，不要偏见，什么都不要，又什么都想要去创造。他在艺术历程上没有规律可循，从自然主义到表现主义，从古典主义到浪漫主义，然后又回到现实主义。从具到抽象，来来去去，只有绝对自由才适合他。 毕加索绘画的主要趋势是丰富的造型手段，即空间、色彩与线的运用。他的一生分为几个时期：“蓝色时期”、“玫瑰红时期”、“黑人时期”、“立体主义时期” ，分成分解和综合两种形式“古典主义时期”、“超现实主义时期”最后是“抽象主义时期” 风格独创且缤纷多变的现代艺术魔术师毕加索，以他绚烂的彩笔，创作出一幅幅影响深远的巨作。 1、《亚维农的少女》 这幅画，可谓第一件立体主义的作品。画面左边的三个裸女形象，显然是古典型人体的生硬变形；而右边两个裸女那粗野、异常的面容及体态，则充满了原始艺术的野性特质。野兽派画家发现了非洲及大洋洲雕刻的原始魅力，并将它们介绍给毕加索。然而用原始艺术来摧毁古典审美的，是毕加索，而不是野兽派画家。在这幅画上，不仅是比例，就连人体有机的完整性和延续性，都遭到了否定。因而这幅画(正如一位评论家所述)，“恰似一地打碎了的玻璃”。在这里，毕加索破坏了许多东西，可是，在这破坏的过程中他又获得了什么呢?当我们从第一眼见到此画的震惊中恢复过来，便开始发现，那种破坏却是相当地井井有条：所有的东西，无论是形象还是背景，都被分解为带角的几何块面。我们注意到，这些碎块并不是扁平的，它们由于被衬上阴影而具有了某种三度空间的感觉，使画面具有了某种完整性与连续性。 2、《格尔尼卡》 乍看起来，这幅画在形象的组织及构图的安排上显得十分随意，我们甚
科学与艺术的关系 科学是运用范畴、定理、定律等思维形式反映现实世界各种现象的本质和规律的知识体系。科学源于社会实践，通过实践形成真理，同时科学又通过技术来转化为生产力。科学本质是社会意识形态，因此是对于科学精神或科学观念而言。 艺术是人类以情感和想象为特性的把握世界的一种特殊方式，它是人们现实生活和精神世界的形象反映，是艺术家知觉、情感、理想、意念综合心理活动的有机产物。艺术也是一种社会意识形态，它满足人们的审美需要，在社会生活尤其是人类精神领域内起着潜移默化的作用。 李政道将科学和艺术比喻为硬币的两面，密不可分。它们共同的基础是人类的创造力，追求的是真理的普遍性。英国博物学家赫胥黎曾在《科学与艺术》中形象地比喻说：“它们是自然这块奖章的正面和反面，它的一面以感情来表达事物的永恒的秩序；另一面，则以思想的形式来表达事物的永恒的秩序。” 科学与艺术都具有把握和反映世界的功能，它们都是人类精神的创造物，在这一点上具有共性。但是它们把握世界的方式和追求的目标又是不同的。 科学是理性和逻辑的，艺术是感性和唯美的 科学是客观规律，体现共性；艺术是审美体验，体现个性 科学是把事情做对，艺术是把事情做好． 科学是经济基础，艺术是上层建筑 科学可以模仿，艺术不能模仿 科学可以重复创造，艺术不能重复创造 科学遵循规则，艺术需要创造 在科学家和艺术家从事创造的过程中，无论是用理性方式把握世界，还是用审美方式把握世界，总是自觉或不自觉地在人的身上实现着感性与理性的统一，创造的主体都有强烈的求知和审美的欲望，在求索中会产生起于惊异的原始骚动，科学借助艺术的想象力可以突破固有的思维框架，实现概念的跳跃。艺术借助科学的幻想和理性可以突破感性的直觉，实现情感的跳跃。使艺术家的激情与科学家的理念合和为一，拓展出自然、人生和心灵世界的新空间，如同“庄周梦蝶”中出现的境界一样。 对于艺术与科学的关系，处理得最好的，是列奥纳多"达"芬奇。他不仅以《蒙娜丽莎》倾倒世界，而且又是把科学与艺术贯通起来的物理学家、工程师、数学家。