Art Deco的源与流
By Maybo 在设计工作开展之前，我们首先要对Art Deco这一词的概念有一个明确的了解，要将Art Deco风格运用到展示设计中，就首先要读懂Art Deco。
Art Deco是什么
Art Deco的定义
Art Deco风格，又译作装饰艺术派、装饰艺术风格、摩登装饰艺术风格等，它诞生于20世纪20年代，此后在20世纪二三十年代迅速传遍欧美，波及世界各地。一提到Art Deco，人们很容易想起20世纪二三十年代期间那些摩登时代精神的建筑：呈阶梯状收分，注重装饰，喜欢采用放射状、V形图案，色彩绚丽，有着迷幻的灯光，使用奢华的材料，炫耀、标榜财富，例如克莱斯勒大厦等纽约曼哈顿摩天大楼，或洛杉矶充满好莱坞气息的影剧院。［1］
Art Deco的装饰有下列几个主要的特征：
1.放射状的太阳光与喷泉形式：象征了新时代的黎明曙光。
2.摩天大楼退缩轮廓的线条：二十世纪的象征物。
3.速度、力量与飞行的象征物：交通运输上的新发展。
4.几何图形：象征了机械与科技解决了我们的问题。
5.新女人的形体：透露了女人赢得了社会上的自由权利。
6.打破常规的形式：取材自爵士、短裙与短发、震撼的舞蹈等等。
7.古老文化的形式：对埃及与中美洲等古老文明的想象。
8.明亮对比的色彩。
Art Deco的起源
Art Deco通常被称为装饰艺术风格，是现代设计上的一种运动。Art Deco 的字源为1925年的“the Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes”（巴黎艺术装饰与工业展），当时的语意为“最豪华”之意。不过艺术家们的最初启示来源于遥远的古埃及。1922年，英国考古学家豪瓦特·卡特（Howard Carter）在埃及发现一个完全没有被侵扰过的古代帝王墓---图坦卡蒙（Tutankhamun）墓，大量出土文物展示出一个绚丽的古典艺术世界，震动了欧洲的新进设计师们。那些三千三百年前的古物，如著名的图坦卡蒙金面具，具有简单的几何图形，使用金属色系列和黑白色彩系列，却达到高度装饰
的效果，这给予设计师们强而有力的启示。
Art Deco被确定作为一种艺术风格的地位，其起点应追溯到1925年巴黎举行的国际装饰艺术与现代工业博览会（Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes）。 Art Deco一词即起源于这次博览会的法文名称。但是Art Deco作为一个单词，实际上到20世纪60年代才诞生。
在此之前，有关这种特定艺术风格的名称比较含糊甚至混乱，对这种风格的研究也未能得到应有的关注和重视。装饰艺术派此前曾被成为摩登风格（Moderne）、现代派（Modernistic）、爵士风格（Jazz Moderne）、折线形摩登（Zigzag Moderne）、阿兹特克风格（Aztec Style）、航空风格（Airways Style）、电影院风格（Cinema Style）或好莱坞风格（Hollywood Style）等等。Art Deco 在法语中被称之为Moderne，英语中则被称之为Modernistic，以此来区别于在二战以后传播到世界各地的理性的现代建筑运动Modernism或Modern Movement。自负的现代主意者通常把Art Deco称之为Modernistic，其中不乏带一点点其实的意味。这些名称多从某一侧面突出了装饰艺术派的特点，但显然不够一针见血。
1966年，在法国巴黎为纪念1925年的国际装饰艺术与现代工业博览会，举办了题为“Les Annees‘25’ Art Deco / Bauhaus / Stijl / Esprit Nouveau”的回顾展览，“Art Deco”一词被作为展览的副标题。1966年H.格尔森（Hilary Gelson）在《时代》杂志当年11月刊上发表的一篇文章采用了“Art Deco”作为标题，这是Art Deco作为英语单词第一次出现。1967年O.兰开斯特（Osbert Lancaster）出版了《一只眼看未来》（With an Eye on the Future）一书，Art Deco首次在正式出版的英语书籍中被采用。
真正使“Art Deco”一词引起人们的关注并用其专指装饰艺术派的是B.希利尔，在1968年他的专著《二三十年代的装饰艺术派》（Art Deco of the 20s and 30s）中，他首次明确地使用“Art Deco”来特指这一艺术风格，正式确立了Art Deco的含义，结束了此前有关这一风格名称的混乱局面。这一名称既清晰又中肯，在B.希利尔的倡导下，Art Deco一词得到广泛的接受和认可，这是装饰艺术派研究史上的重要一页。最终，字典编纂者也接受了Art Deco这个单词，将其作为新词编入词典。
Art deco与之前流行于19世纪末、20世纪初的新艺术风格（Art Nouveau）截然不同。Art Nouveau风格所崇尚的是属于“美好年代”的奢华富丽风貌，最常见的是以修长弯曲的海草、藤蔓作为装饰。而Art Deco的设计风格包含流畅而锐利的线条、优美的几何造型及简洁的色系，强调数学性和动能感。它同时影响了许多其它方面，包括建筑、绘画、家具及时尚的各个领域，纽约帝国大厦
（Empire State Building）、克莱斯勒大厦（Chrysler Building）、Tamara de Lempicka的画作、Leon Bakst的舞台设计、Cartier的装饰艺术系珠宝都是Art Deco风格的标示。Art Deco作为一种经典的艺术风格，启蒙了现代主义（Modernism），其影响力至今不衰。［2］
多元影响下Art Deco的风格与形式
巴黎是装饰艺术运动的发源地，也是这场运动的中心，这与巴黎是当时现代艺术的中心不无紧密联系，现代艺术的各种流派很快能在巴黎得到反映，找到乐土。巴黎指挥着现代主义运动，它宽容着现代艺术的浓缩性与多样性及其对形式的破坏与重建。20 世纪初期的现代艺术“借了立体主义的一臂之力，正在试着适应一个日益‘支离破碎’的世界——这个世界被比喻成支离破碎的，是因为新型交通方式的快速，因为电影放映机里闪烁的影像，大战的炮火，的确也把所有的一切都变得支离破碎了。”装饰艺术运动的原理主要来自于20世纪早期的前卫画风，以立体主义为主，现代艺术的特点在装饰艺术中逐渐凸显出来，为大多数装饰艺术运动艺术家和设计师所使用。
异域风情与原始艺术对Art Deco的影响
如果说一战前，新艺术运动末期的一个重要组成因素是本土特色，那么在20世纪20年代的装饰艺术运动中，横行一时的则是异域风情。这是自19世纪80年代日本风格传入欧洲以来又一次重要的外来影响。
几个世纪以来，模仿埃及的异域风情一直影响着欧洲的设计。20 世纪初，一个新的因素刺激了埃及风格的复兴：1922 年英国考古学家豪瓦特·卡特发现了一个3300 年前埃及古代帝王墓——图坦卡蒙墓。大量出土的文物展示出绚丽的埃及古典艺术，震动了欧美的设计师。尤其是图坦卡蒙的金面具，简单的几何图形、金属和黑白的色彩系列，却达到了高度装饰的效果。古埃及建筑装饰图案及柱式（如纸莎草、莲花等），从自然抽象出来的简单明快的几何图案及变形处理，给予设计师们强有力的启示。20年代有很多建筑都采用了埃及风格：洛杉矶的埃及剧院、胡弗大厦、卡雷拉斯大厦，伦敦的理想宫、卡尔顿电影院等。纽约的切尼尔兄弟纺织品公司向埃及派出了一位时装设计师；在巴黎，皮埃尔·勒格兰用棕榈木和羊皮纸制作了埃及王座；西班牙艺术家J·J·加西亚设计的书籍装帧上印着卷发俨然的斯芬克斯。在新一轮的埃及复兴风潮中，出现了许多价格低廉的设计产品：圣甲虫状的宝石垂饰、埃及女王克丽佩特拉式的耳饰、“木乃伊”模样的自动铅笔、装饰着象形文字的小粉盒，埃及风格通过装饰艺术运动深入人
们的生活。
20 世纪初以来，原始艺术的影响，尤其是非洲和南美洲的原始部落艺术对欧洲前卫艺术界的影响是非常大的。这种影响同样在装饰艺术领域得到深刻的反映，尤其是与大工业生产联系密切、具有强烈时代特征的简单几何外形。非洲艺术的流行与立体主义的出现密切相连，导致装饰艺术风格大量运用折线、弧线、图腾等元素。非洲部落的舞蹈面具的象征性和夸张特点，木雕的明快简练，给西方的艺术家和设计师很大启发。交通和空中旅行服务的改善，使人们到南美洲和墨西哥远比以前便利了，美洲印第安风格的影响也因此突显出来。
总之，20世纪初期发源于法国并以巴黎为中心的装饰艺术运动，强调装饰化，又承认工业化，是一场承上启下的运动，是从“工艺美术运动”到“新艺术运动”的装饰运动和现代主义运动之间的一次衔接，应从运动的角度去认识其多元风格。它是多元影响下的时代现象，受许多不同及相互冲突的因素影响，导致了风格与形式特征的多样化。而且装饰艺术运动形成了设计时尚，风格无孔不入，形成对艺术和生活方式的渗透。所以，装饰与设计、艺术、生活是互动发展的。［3］
新艺术运动对Art Deco 的影响
新艺术运动（Art Nouveau ）对于Art Deco 风格的形成具有十分重要的作用。从某种程度上说，Art Deco 风格是新艺术运动的延续，而不是新艺术运动的对立。
新艺术运动取名于S.宾（Siegfried Bing ）1895年在巴
黎开设的一家介绍新设计的艺术画廊的店名，是一场充满浪
漫色彩和注重装饰的艺术与设计运动，在1890年到1910年间
遍及欧洲和美国。新艺术运动在现代设计历史中有着举足轻
重的作用，它涉及范围非常广，从建筑、室内、家具到绘画、
雕刻、陶瓷、玻璃等。与工艺美术运动一样，新艺术运动不
满于传统形式，试图寻找一种新的艺术风格。新艺术运动喜
欢采用灵巧、卷曲、苗条的植物装饰图案，V.霍尔塔（Victor
Horta ）的都灵路12号住宅是其中典型的例子。新艺术运动以
法国为中心，实质上是探求装饰艺术新风格的运动，在很大
程度上停留在形式革新的表层。新艺术运动最终走向了追求
几何风格的装饰艺术运动——Art Deco 。
Art Deco 与新艺术运动有诸多联系。首先，新艺术运动
与Art Deco 都竭力想寻找一种全新的前所未有的风格。新艺术运动回归自然中寻找题材，而Art Deco 则表现为反映工业文明的摩登样式。其次，Art Deco 与新艺术运动都是一种装饰艺术运动。不过新艺术运动的装饰比较轻柔，
充满自然神秘都灵路12号
色彩，多用纤细的植物卷曲图案。而Art Deco装饰往往显得刚劲有力、趋于几何，赞美技术和机器的力量。第三，在材料的运用方面，新艺术运动和Art Deco风格两者都喜欢昂贵而稀有的材料，并尝试使用现代的新材料。第四，这两种风格都同样受到古老的异国文化的影响。在寻找新的艺术风格的过程中，他们都求助于异国文明从中寻找灵感，新艺术运动的艺术家曾从东方的绘画和木刻中吸收养分，Art Deco风格则在这方面走得更远——从非洲部落的艺术直至玛雅文化和阿兹特克文化，甚至还有古埃及和中国文明。［4］
新艺术运动是Art Deco风格的先行者，与新艺术运动相比，Art Deco向前迈进了一步。新艺术运动只是用一种艺术形式来取代另一种形式，这种局限性最终导致它的衰落。Art Deco风格不单对装饰风格进行改革，它还通过商业化来实现艺术设计与工业生产的结合。
现代主义对Art Deco的影响
与大工业生产联系密切、具有强烈时代特征的几何化风格是装饰艺术运动的重要装饰要素。当时植物纹样明显减少，几何图形的组合取代了新艺术运动时由花卉灵感而时兴的波状线条。装饰艺术运动对几何化的采纳，主要来自立体派艺术的影响。立体主义严峻、紧张、一丝不苟的风格使它企图让艺术摆脱印象派抒情的迷朦，摆脱学院派没精打采的幻象视觉，而将不同状态及不同视点所观察到的对象，凝聚在单一的平面上，得到一种总体经验的效果。立体主义的边缘硬挺的母题，被移植到20 年代的流行情调里时，就产生了奇异的新构形——叶子、泡泡、裂缝、探出地面的锯齿状岩石等。“眼下以装饰艺术而知名的风格，实际上是驯化的立体主义。这是家常化了的立体主义，意在迎合公众的消费行为。”发源于意大利的未来主义艺术，赞美大都会的生活和现代工业，把抽象的速度与动力作为美的准则，它不作形式上的分析而是直接激发观者的情绪，通过分析的、同时性的与心理性的选择及综合，象征地表现运动中的造型，它可以说是“运动中的立体主义或称未来的立体主义”。［5］1912 年，未来主义先后在巴黎、伦敦与柏林举办展览，使地方性运动的未来主义一跃成为国际试验性艺术的组成部分。未来主义对速度和机器的狂热更突出了形体的简化和对动态的追求，影响到装饰艺术领域对速度感和时代感的追求。当时不少艺术家和设计师常以棱角分明的形体和有力的线条表现现代机械、运输及通讯设备，捕捉速度与动感，如意大利画家塞维里尼，弗兰兹·马克、康定斯基和克利的“青骑士”小组，温德姆·刘易斯和英国的漩涡派画家等。未来主义对装饰艺术运动的影响主要体现在海报设计上，尤其是关于交通和运动的海报。对速度感与未来感的憧憬和空气力学原理的研究还启发了30 年代流线型设计。以未来主义为主的现代艺术，启发了设计
师大胆采用现代工业文明的成果。［6］
Art Deco 建筑的特征
奢华的材料与绚丽的色彩
从建筑外立面到室内空间的装饰设计，Art Deco 风格的显著特征之一就是喜欢使用奢华的材料以及大胆绚丽的色彩。
从早期法国Art Deco 风格的萌芽开
始，Art Deco 就显示了对于奢华材料的偏
爱。法国Art Deco 沿袭了法国装饰设计艺
术豪华、奢侈、为贵族服务的传统。这反
映出法国Art Deco 设计的特色——非民主
化、权贵的与精英主义的、资产阶级的。
法国在政治、艺术上的民主倾向与设计上
的精英主义倾向形成了鲜明的对比。从巴
洛克到新艺术运动，法国装饰艺术的豪华
与奢侈的传统由来已久，在法国Art Deco
中，绝大部分的设计师大部分精力都花在
为有钱人设计上。
Art Deco 风格并不是局限于传统的名
贵材料，各种现代的新材料同样引起了设
计师的兴趣和极大的热情，他们探索了新
材料的表现力，并将木头、石材等传统材料与不锈钢、塑料等新材料结合起来使用，
这是一个很大的进步。这种倾向在早期法
国Art Deco 中就已经出现。如C.佩里恩德、M.迪费等人都尝试过使用钢管、抛光金属板、不锈钢、丙稀塑料等现代材料。
对于色彩的装饰效果的运用，Art Deco 绚丽的色彩在一定程度上受到俄罗斯芭蕾舞台设计的影响。20世纪初，俄罗斯芭蕾舞开始出现与传统决裂的重大改革，尤其是在服装设计、舞台设计方面，那种生机勃勃、丰富多彩、充满活力的服装与舞台设计对摩登装饰艺术产生了非常强烈的影响。另一重要影响来自美国的爵士乐。这种特殊的、强烈的、节奏鲜明的美国民间音乐连同它独特的表演方式都极为新颖和富于感染力。它的节奏与特殊的韵律感，以及强烈的色彩，都
成为设计师的灵感。此外，立体主义画派、非洲部落艺术、日本以及古埃及考古克莱斯勒大厦电梯厅的设计极为奢华，
体现了传统材料（石材）与现代材料（不
锈钢）的完美结合
的发现等都对Art Deco的色彩产生了影响。
奇异的灯光效果
灯光使Art Deco风格绚丽的色彩体系更加突出，灯光照明的设计促使一些
Art Deco风格的摩天楼在夜空中熠熠生辉。色彩绚丽的霓虹灯装饰使Art Deco风格的建筑具有梦幻般的色彩。
灯光在室内设计中的作用同样受到重视，许多室内设计中，灯光设计与造型装饰被完美的结合在一起。发光的玻璃、造型优雅的条状发光源、柱头上的泛光源，种种灯光装饰手法都能够为室内空间带来意想不到的装饰效果。
几何化的造型
从建筑立面到室内空间，装饰艺术派的造型和装饰都趋于几何形。常见的有阳光放射形、阶梯状折线形、V字形或倒V字形、金字塔形、扇形、圆形、弧形、拱形等等。这些形状反复出现在建筑及室内设计中，
无论是曼哈顿高耸的摩天楼立面，还是迈阿密海滩的小区，都具有相似的基本造型要素。这种独特的形式语言是装饰艺术派的重要特点。
［1］许乙弘.《Art Deco的源与流——中西“摩登建筑”关系研究》.南京：东南大学出版社.2006.10
［2］郭秋惠.《装饰艺术运动及其风格》.2004.9
［3］骆文亮.《装饰艺术：环境与人》.闽江学院学报.2004.8
［4］李园.《装饰艺术运动对现代室内设计的启示》.文化艺术研究.2007.4上旬刊
［5］［英］克鲁克香克主编.弗莱切建筑史.北京：知识产权出版社.1996.1319 ［6］［意］马里奥·维尔多内著；黄文捷译.《理性的疯狂——未来主义》.程度：四川人民出版社.2000.148
纽约帝国大厦
浅谈水彩画的艺术风格特征 摘要“水彩画”是一种以水为媒介将颜料调和并作画绘画形式。其本身有两个重要的基本特征，就是颜料透明性和绘画中颜料的流动性。由于具有以上特性，颜料经过水的调和干、湿、浓、淡的变化非常丰富，另外纸质的各异让水彩画表现力更强，具有一定节奏感，视觉效果也不尽相同，或者透明，或者清新，或者凝重，或者幻化，形成了自然的和谐灵动美，使水彩画具有其个性的特征。 关键词水彩画；特殊性；水色结合透明；随机与肌理 绘画表达的是艺术和审美的意志相关联的世界，一个画种概念并不是以工具不同来区分，而是依据思维对材质性能应用的方式，表现出来的独一无二的“味”。水彩画在发展中，也同样借鉴了其他画种的形式技巧以及表现方式，但依然保留着固有的特征，独有的艺术风格和价值。 一、水彩画媒材特质 材料以及媒介对绘画的特性有一定的限定，所以外化出艺术风格与效果也是特定的，这是一个画种异于其他并继续发展的一个基础。 首先颜料，因为是透明性的，所以调配时，混合是一种表现方法，除此之外透叠也是一种重要的且有效的调色手段。虽然有些颜色可以直接调配出来，但是通过透叠之后虽然色相相似，但质感和量感却有很大不同。通过涂层和涂层的搭配让人视觉产生微妙的变化，给人一种更为丰富的心理感受，基于此将水彩画应用到插画更能贴合作者想表达的丰富内容，同时透明清新的插画又不会从整体上影响到内容的重要性，避免了喧宾夺主的情况。 其次关于画笔，对储水力以及弹性有着一定的讲究。这些对色彩饱和度和控制水分的能力息息相关，在笔和纸相触之间，要有很好的控制作用，作者对画笔的选择和应用直接影响的是作者的艺术风格。 正是由于水彩媒材的特性给水彩艺术丰富的内涵，虽然水彩画存在500余年，但一种在发展而且发展的空间依然广阔，和他的灵动、变奏感有着密切的关系，时至今日水彩画应用到插画领域，赋予了更强的现代感，和水彩画的艺术风格特性是分不开的。 二、水彩画的艺术特征 1.水色结合 水彩画有些基本绘画的规律与油画存在着共同之处，但更多的是自身独有的表现手法以及风格趣味，正是由于水彩画中有水这一特殊的媒介物，水彩画的风格特性和其他画种存在着根本的区别。 长期经验使人们认识到水不仅能够调和颜色，还具有渗透和流动特性。色彩和水结合，色粒随水流动，颜色分布更加富有节奏的变化。加上水具有易渗易透特征，更加的渲染画面气氛，充分表达作者的内心。特别是现代的水彩画，赋予了水新意义。不仅调和颜色，来渲染感受，而是更加注重水融色的变化，干、湿、浓、淡以及渗透效果，水彩画表现力更强。水变化了笔与色之间的或枯、或焦、或润、或湿，加上泼和积以及破，使水彩画在现代表现的艺术风格更加的丰富多姿，达到难以名状，且自然天成而又亦幻亦真的神奇美妙效果。画色有浓有淡，或虚或实，飘渺朦胧，妙就妙在了水色结合，因为不表现出水，就不及油画或者粉画有力度，没有彩的特点，就不若水墨有神韵。水与水交接，色与色渗透，产生奇妙变奏，连绘画的过程也更加的奇异，技巧就会更复杂。
装饰艺术运动的设计风格 摘要: 装饰艺术运动的设计风格是综合性的,在折衷主义立场的影响下, 既具有传统的形式美,又追求工业化的技术美;既承继欧洲自古以来的装饰式 样,又开创出新世纪装饰艺术典范,成为20世纪主要的设计思潮之一,也将给 21世纪的设计提供有益的参考。 关键词:装饰艺术运动;风格 本世纪初的欧洲新艺术运动与英国工艺美术运动一样,对现代化的轻视和工业化形式 的漠视使得人们越来越走向强调工艺生产和手工艺行会的泥淖:否定机械,反对批量生产,远离传统艺术,远离古典文化,矫饰过度的自然主义。这一切终于引起了一大批艺术 家与设计家们的反抗,他们把眼光投向当前将来,认识到现代化和工业化已经无可阻挡, 必须适应并探索出一条新的途径。同时,他们又把眼光投向古典艺术甚至原始艺术,从历 史的废墟中,从古典法式中,去寻求突破现行窠臼的契机。从二十年代初开始,西方设计 界采用了手工艺和工业化结合的双重手法,把艺术家单纯的手工艺制作和代表未来的工业 化特征合二为一。这一风格,后来被称为装饰艺术 1 从单一风格到综合风格的演变 装饰艺术运动自发生、发展到鼎盛、衰退历时将近30年,影响范围极大,以英、 法、美最具代表,其中法国不仅是装饰艺术的发源地,同时也是装饰艺术运动的中心,其 风格演变也自法国始,遍及世界各地。它从最初单纯的简洁风格发展到1935年前后,形成了风格各异和混杂各种文化、各种艺术的综合风格特征。从风格特征的意义上看, 装饰艺术风格不是单一的不变的,而是丰富的、复杂的、多样的甚至是冲突的、非整体的。下面概要叙述其演变过程。 早在巴洛克时代,法国设计极尽奢华、奔放,其装饰繁琐复杂达到了顶峰,进入新艺 术运动时期,设计家开始寻求一种传统的、单纯的形式来对抗繁琐的形式,采取自然主义
1什么是艺术风格?简述其特性。2简述艺术批评在形态上的分类。3简述艺术构思的内涵。4简述形象思维的特性。5简述艺术作品的三个层次。6试结合某一文艺流派的产生，发展，分析艺术发展中继承与创新的关系。7联系实际文艺作品，谈—下艺术作品是如何实现再现与表现统一的? 8简述艺术活动的构成。9简述艺术作品的层次。10简述艺术鉴赏的性质和特点。11简述艺术批评的作用和功用。12怎样正确看待文学创作中的灵感现象？13结合某艺术作品，论述审美想像的特征。14联系实际，论述艺术刨作主体与客体的关系。15简述三种以上关于艺术起源的重要学说。16简述审美想像的特征。17简述艺术作品中感性与理性的关系。18简述一下艺术鉴赏中的主体性。19简述摄影艺术的基本特征。20请结合某—门具体艺术，谈谈你对郑板桥“眼中之竹”、“胸中之竹”和“手中之竹”创作过程的理解。21什么是典型?-试结合某一具体作品阐述一下你对艺术典型的个性与共性特征加认识。22简述什么是审美期待? 23简述艺术意蕴的含义。24简述美育活动的内涵和途径。 25 简述三种主要的艺术作品分类方法及内容。26简述绘画艺术的基本特征。27结合某部作品，试分析艺术与哲学之间的关系。28就某一门类艺术来分析形象思维与抽象思维之间的关系。29简述活动的功能。30简述审美想像与联想的关系。31简述艺术意境的特征。32简述艺术活动中的三二种审美效应。33简述雕塑艺术的基本特征。34联系实际论述艺术鉴赏中的主体性特征。35结合具体艺术作品论述艺术形象的特征。36简述艺术作品内容与形式的关系。37简述艺术思潮和艺术流派之间含义的不同。38简述艺术与科学的关系。39简述艺术批评的内涵和功能。40简述审美理解的内涵。41以具体作品为例，试论艺术作品的三个层次。42结合艺术实践，谈谈艺术发展中继承与创新的关系。43社会主义文艺为什么要提倡风格的多样性？44为什么说艺术是一种审美的意识形态？45简述艺术鉴赏的涵义。46简述形象思维的内涵及特征。47举例说明生产劳动是艺术产生的根本动力。48试论艺术创造的基本过程及各个环节的主要特点。49为什么说艺术是社会生活的反映？50
古罗马时期艺术风格特征 罗马从一个默默无闻的小城邦，逐渐发展成控制整个亚平宁半岛的罗马共和国，最后扩展为统治整个地中海地区，地跨亚、非、欧三大洲的罗马帝国。东起小亚细亚和叙利亚，西到西班牙和不列颠，北包括高卢，南至埃及和北非，罗马帝国一直延宕至公元15世纪，这期间，分化、整合；整合、分化，直到拜占庭王朝——东罗马帝国消亡，整整进行了一千余年。这样一个多民族、大一统的帝国，又有着上千年的演化历史，反映 在文化与艺术上，必然是多民族文化与艺术的融合。 古罗马文化是在伊达拉里亚人和希腊人的强烈影响下发展起来的，古罗马文化与艺术，主要繁荣于共和末期和帝国时期，古老的意大利土著文化，深受伊达拉里亚文化的影响。伊达拉里亚人早在公元前8—3世纪，就创造了拱券建筑和具有东方风格的装饰壁画，以及有力而写实的雕刻，这些对古罗马艺术具有强有力的影响。古罗马人虽然征服了古希腊，但在文化上却被古希腊人征服。古罗马人是古希腊艺术的崇拜者和摹仿者。古希腊艺术对古罗马产生了重大影响，但是由于不同的社会环境和民族特点，古罗马艺术也有其不同于古希腊艺术的独特之处。相比之下，罗马人的艺术更倾向于实用主义，在内容上多为享乐性的世俗生活，在形式
上追求宏伟壮丽，在人物表现上强调个性。古罗马文化与艺术的突出成就，主要反映在建筑、壁画、肖像雕 刻方面。 一、罗马时期建筑风格特征 古罗马建筑是古罗马人沿习亚平宁半岛上伊特鲁里亚人的建筑技术，继承古希腊建筑成就，在建筑形制、技术和艺术方面广泛创新的一种建筑风格。古罗马建筑在公元1～3世纪为极盛时期，达到西方古代建筑 的高峰。 古罗马建筑的类型很多。有罗马万神庙、维纳斯和罗马庙，以及巴尔贝克太阳神庙等宗教建筑，也有皇宫、剧场角斗场、浴场以及广场和巴西利卡(长方形会堂)等公共建筑。居住建筑有内庭式住宅、内庭式与围柱式 院相结合的住宅，还有四、五层公寓式住宅。 古罗马的建筑最辉煌、最有艺术价值的则是为经济服务或为人的生活（物质、精神）服务的建筑，古罗马世俗建筑的形制相当成熟，与功能结合得很好；如广场、道路、桥梁、高架输水道、隧道、剧场、竞技场、浴场、住宅和别墅等等。这些建筑几乎全是直接为人的物质生活或精神享受服务的。在艺术风格方面，它们也追求和谐，追求完美，追求崇高，但已不是一种“神圣”的和谐、完美、崇高了，而是现实人生的一种“合宜”，是经济繁荣，和平安定，和追求现实刺激的“崇高”，有的“崇高”还直接与某种“悲剧”情绪相联系，如著名的古罗马斗兽场，它那完美、和谐、崇高的造型，因与其功能性的悲剧意味相联系着，是沐浴着奴隶血泪的一种崇高，所以，使这种崇高、完美，更具有了世俗性，它能让人赞叹、使人振奋，但难以产生像希腊神庙的那种“神圣”感。这可以说是古罗马建筑风格中的和谐、完美、崇高与古希腊建筑风格的最大区别。至于另一些世俗的建筑，如卡拉卡拉浴场，它那和谐、完美而又雄伟的风格，也主要来自于世俗的情感，而不是来自 理想主义的神圣意识。 在具体建筑的造型风格方面，古罗马的建筑也是既继承了古希腊建筑的造型风格，又革新、发展了它。如古罗马大斗兽场的外部立面，特别是高4层的外部立面，就是古希腊柱式构图的复写，它的底层是多立克柱式，第二层是爱奥尼克柱式，第三层则是科林斯柱式，在顶层则围绕着壁柱。但是，古希腊的这种柱式，在古罗马的这座杰作中已不再像在古希腊建筑中那样起结构作用了，它已蜕变成了一种单纯的装饰，真正起结构作用的部件是隐藏于墙壁之中的结构体。同时，在屋顶造型方面，古罗马人更是极大地革新了古希腊建筑的造型方式，将古希腊习用的梁柱结构，代之以一种更为有效的拱券支撑方法，从而在屋顶造型方面，出现了在古希腊建筑中很难见到的“穹拱”屋顶。正是这种“穹拱”屋顶，成为了古罗马建筑，特别是房屋类建筑与古希腊房屋类建筑最明显的区别。这种拱券结构因经济、实用，且审美效果也很好，故不仅应用于神庙、宫殿等特殊建筑，而且扩展到日常生活的一切领域，如道路、桥梁、输水道、港口、剧场、住宅、仓库和下水道等。从而使许多雄伟建筑在表现和谐、完美、崇高的同时，具有了一种明显的“圆”味。但同时，古罗马的建筑又
教学艺术风格的特点 要准确的认识和有效地把握教学艺术风格，把握其特点是非常重要的。随着理论研究的深入和教学实践的发展，教学艺术风格已经成为每个教师自觉追求的目标。构成教学艺术风格的诸因素的内容和制约条件都不同，根据个人特点存在很大差异，但是我们认为，基于对教学艺术风格本质的把握，即教学风格是教师独具个性的教学思想、教学技能技巧、教学风度的稳定性表现，其主要特点应有三方面。 （一）独特性 独特性是教学风格的最基本特性，因为教师的教学艺术风格是来源于自己的教学实践与自身的个性、学识、习惯以及生活际遇等，这种主体自身的独特性，就决定了教学风格的独特性。 教学艺术风格的独特性，使许多教师在炉火纯青的基础上形成了鲜明的自我性，因此即使在执教同一课本时，也表现出不同的特色来。对于体育教学来说，教学艺术风格体现的更加明显，不同的教师在同一个操场上课，有时教学内容相同，但教学方式却各不相同，同学们的反映也有教大差距。这就充分体现了教学艺术风格的不同。只有教学艺术风格显现出千姿百态，百花齐放之势，才能使教学效果达到一个高峰。 （二）发展性 教学艺术风格也不是一成不变的，而是发展变化的。这并不是否定一个教学艺术风格而建立一个新的教学艺术风格。它具有相对的稳定性。但是作为一个系统，教学艺术风格不是封闭的，而是可以根据教学的实际情况，不断完善自我的教学艺术风格，不断吸取新的思想和新的技术，思维方式也应随着时代的变化而变化。这就要求教师在教学上精益求精和实现风格的转换，需要对各家教学特色进行潜心体验，广采博取、不断求索，才能与时代要求达到高度统一，这就决定了一个教师的教学艺术风格的发展前景。（三）稳定性 教学艺术风格一旦基本形成以后，就在一个相当长的时期内保持不变，这是风格的相对稳定性。也就是说教学艺术风格是某些特点的一贯表现呈稳定状态的标志。而这种稳定性仅仅是相对意义上的，因为教学艺术的相对稳定并不意味着教师在教学艺术追求上的固布自封、停滞不前，更不是没有创造性可言的单纯重复。这种稳定表现为教师教学思想的基本完善，教学方法的富有成效，以及教学个性的定型成熟。
浪漫主义艺术风格特征 在整体上而言，浪漫主义运动是由欧洲在18世纪晚期至19世纪初期出现的许多艺术家、诗人、作家、音乐家、以及政治家、哲学家等各种人物所组成。浪漫主义是文艺的基本创作方法之一，与现实主义同为文学艺术上的两大主要思潮。作为创作方法，浪漫主义在反映客观现实上侧重从主观内心世界出发，抒发对理想世界的热烈追求，常用热情奔放的语言、瑰丽的想象、幻想或复古等手段超越现实的夸张手法来塑造形象。浪漫主义宗旨与“理性”相对立，主要特征注重个人感情的表达，形式较少拘束且自由奔放。 浪漫主义的思想特征：一、偏重于表现主观理想，抒发强烈的个人感情。二、描写自然风光，歌颂大自然。三、酷爱描写中世纪和以往的历史。四、重视民间文学，尤其是中世纪的民间文学。 浪漫主义的艺术特征：一、浪漫主义文学对各种艺术形式进行了卓有成效的探索，而成就最突出的在于诗歌，其中特别引人注目的是诗体长篇小说的创造。二、浪漫主义文学惯用对比、夸张和想象，用词也倾向于华丽一路。三、忧郁感伤的情调为浪漫派作家所爱好。 浪漫主义画派派摆脱了当时学院派和古典主义的羁绊，偏重于发挥艺术家自己的想象和创造，创作题材取自现实生活，中世纪传说和文学名著（如莎士比亚、但丁、歌德、拜伦的作品）等，有一定的进步性。浪漫主义音乐的一些成分早在18世纪音乐里便已出现，狂飙突进运动中展现出的强烈精神和情绪成为了哥德小说的先驱，而法国大革命时期也出现了一些带有血腥而激情风格的歌剧，浪漫主义音乐便
是在这时期开始显现出其独特的风格。 在音乐方面，浪漫主义作曲家强烈地表现出自己的癖好，这与受形式支配的古典主义格格不入。古典主义音乐象线条一样鲜明；而浪漫主义音乐则偏重于色彩和感情，并含有许多主观、空想的因素。在视觉艺术和文学上，“浪漫主义”代表的通常是从18世纪晚期至19世纪的期间。浪漫主义文学里经常可以发现的特色在于对于过去历史的批判、强调妇女和儿童、对于自然的尊重。除此之外，一些浪漫文学的作家例如纳撒尼尔·霍桑，还将他们的作品根基于超自然/神秘学和人类心理学的基础上，他们都对此深深着迷。
风格美学九大风格特点 节选至《顾问式整体形象设计师》发型风格美学文驰峰 一、可爱型风格特点 （一）可爱型人物风格特点 在标准风格的前提下，可爱型人物风格的五官轮廓为曲线型，量感为小量感。 （二）可爱发型风格特点 在标准风格的前提下，可爱型发型风格的五大轮廓为曲线型，质感为柔和质感。（三）可爱服饰风格特点 在标准风格的前提下，可爱型服饰风格的五大轮廓为曲线型，质感为柔和质感。（四）可爱型风格色彩搭配 可爱型色彩搭配如妆面色彩、染发发色色彩、服饰色彩以暖色系的春季型为标准。（五）可爱型风格形象设计特点 可爱型风格打造的是可爱的、乖巧的、活泼的、年轻点甜美的圆滑的整体印象。 二、优雅型风格特点 （一）优雅型人物风格特点 在标准风格的前提下，优雅型人物风格的五官轮廓为曲线型，量感为中量感。 （二）优雅发型风格特点 在标准风格的前提下，优雅型发型风格的五大轮廓为曲线型，质感为中间质感。（三）优雅服饰风格特点 在标准风格的前提下，优雅型服饰风格的五大轮廓为曲线型，质感为中间质感。（四）优雅型风格色彩搭配 优雅型色彩搭配如妆面色彩、染发发色色彩、服饰色彩以暖色系的春秋季型为标准。（五）优雅型风格形象设计特点 优雅型风格打造的是优雅的、淑女的、典雅的、飘逸的、高雅的、雅致的整体印象。 三、浪漫型风格特点 （一）浪漫型人物风格特点 在标准风格的前提下，浪漫型人物风格的五官轮廓为曲线型，量感为大量感。 （二）浪漫发型风格特点 在标准风格的前提下，浪漫型发型风格的五大轮廓为曲线型，质感为硬朗质感。（三）浪漫服饰风格特点 在标准风格的前提下，可爱型服饰风格的五大轮廓为曲线型，质感为硬朗质感。（四）浪漫型风格色彩搭配 浪漫型色彩搭配如妆面色彩、染发发色色彩、服饰色彩以暖色系的秋季型为标准。（五）浪漫型风格形象设计特点 浪漫型风格打造的是浪漫的、女人的、性感的、迷人的、热烈的整体印象。 四、时尚型风格特点 （一）时尚型人物风格特点 在标准风格的前提下，时尚型人物风格的五官轮廓为中间型，量感为小量感。 （二）时尚发型风格特点 在标准风格的前提下，时尚型发型风格的五大轮廓为中间型，质感为柔和质感。（三）时尚服饰风格特点 在标准风格的前提下，时尚型服饰风格的五大轮廓为中间型，质感为柔和质感。（四）时尚型风格色彩搭配 时尚型色彩搭配如妆面色彩、染发发色色彩、服饰色彩以中性色系的春夏季型为标准。
原始艺术特点
原始艺术特点 “原始艺术”本身就是一个含义丰富、变动不居的概念，再加上与之内涵相类似的“艺术前的艺术”、“史前艺术”左右我们的视线，使“原始艺术”对我们来说充满了神秘和距离。这种距离既与我们的理解有关，当然也与悠远的历史有关。一般而言，“原始艺术”的时间上限我们可以界定为三百万年前，即与人类的起源同步，下限可以界定在四万年前，即旧石器时代晚期。限于立意，本文所指的“原始艺术”是指后者，以欧洲发现的原始洞穴壁画为主要代表。这些“原始艺术”不仅具备了对称、几何形态、光滑等形式特征，越发显现出原始艺术的艺术性，但另一方面，我们不得不承认，原始艺术还不完全是现代意义上的艺术，它具有自身的若干特点。 一、兼具艺术性与实用性 在西南欧的西班牙北部及法国南部以蒙特底尼为中心的地区，即被考古学家称为“法兰科—康塔布尼亚美术圈”的地区遗留了大量的洞穴壁画，这些壁画展现出令现代人难以置信的艺术性。以最早发现的西班牙阿尔塔米拉洞穴为例，这是一个长1000英尺的大洞穴，其洞顶布满了精美的壁画，即著名的“大壁画”。“大壁画”的外轮廓有的刻得很深，有的刻得浅而细，再用黑线勾勒与红色填彩。当时的无名画匠充分利用了岩石表面的凹凸不平，以表现动物的肌肉和骨骼的起伏变化，在表现伏卧的动物的躯干时，巧妙地利用岩石的凸起处，组成肌肉圆块的形状，再加上蜷曲的四条腿，而举世闻名的《受伤的
野牛》就是这样制作出来的。在它上面还有30多种其它旧石器时代动物的形象，这些图形经过彩色渲染，他们有的在奔跑，有的在躺卧，还有的受了伤。可谓千姿百态、生动自然、神态逼真、透视准确。其风格极其粗犷有力，生动地描绘出了各种动物的立体感和动态感。 从1879年首次发现旧石器时代的洞穴壁画，到现在已发现了的已数以百计，甚至在非洲和印度地区也发现了同类洞穴。这说明洞穴壁画是一种世界性的普遍现象。这些“原始艺术”以其精练的技法、质朴的表现力曾深深影响了十九世纪和二十世纪的许多艺术家，比如高更、毕加索等。时至今日“原始艺术”也是世界各地博物馆和展览馆里的重头戏。“原始艺术”所展现的艺术魅力我们不可否认，但我们也不能忽视它的“非艺术性”，即“原始艺术”所具有的实用性特征。这一点鲁迅先生说的很清楚：“画在西班牙的阿尔塔米拉洞里的野牛，是有名的原始人的遗迹，许多艺术史家说，这正是“为艺术而艺术”，原始人画着玩玩的。但这解释未免过于“摩登”，因为原始人没有19世纪的文艺家那么有闲，他的画一只牛，是有缘故的，为的是关于野牛，或者是猎取野牛，禁咒野牛的事。” 实际上，洞穴对原始人来说不仅是他们艺术创作的场所，也是他们进行举行各种祭礼仪式，做狩猎准备甚至就是居住的场所。他们创作的壁画、岩画、雕塑、彩陶在他们看来从来不是为了艺术而艺术的，与我们正相反，他们是从实用的目的而创造的。 原始艺术所具有的艺术性与实用性特征与我们对原始艺术的理解相关，我们所谈的原始艺术事实上是在两个层面上来谈的，一是原
现代艺术流派的风格資料一： 现代风格是比较流行的一种风格，追求时尚与潮流，非常注重居室空间的布局与使用功能的完美结合。现代主义也称功能主义，是工业社会的产物，其最早的代表是建于德国魏玛的包豪斯学校。其主题是：要创造一个能使艺术家接受现代生产最省力的环境---机械的环境。这种技术美学的思想是本世纪室内装饰最大的革命。我们今天绝大多数室内用品或装饰品如灯具、家具（如布艺沙发及软床）等都是工厂生产的工业产品，然而并不是说把由机器创造的家庭用品组合在一起就形成现代风格，可以称为风格的必定是一种艺术思潮，事实上现代风格也可分为几种流派，而其中最具代表的是高技派和风格派。 高技派注重“高度工业技术”的表现，有几个明显的特征:首先是喜欢使用最新的材料，尤其是不锈钢、铝塑板或合金材料，作为室内装饰及家具设计的主要材料；其次是对于结构或机械组织的暴露，如把室内水管、风管暴露在外，或使用透明的、裸露机械零件的家用电器；在功能上强调现代居室的视听功能或自动化设施，家用电器为主要陈设，构件节点精致、细巧，室内艺术品均为抽象艺术风格。 风格派是本世纪初以荷兰为中心的现代艺术流派，严格地说，它是立体主义画派的一个分支，认为艺术应消除与任何自然物体的联系，只有点、线、面等最小视觉元素和原色是真正具有普遍意义的永恒艺术主题。其室内设计方面的代表人物是木工出身的里特威尔德，他将风格派的思想充分表达在家具、艺术品陈设等各个方面，风格派的出现使包豪斯的艺术思潮发生了转折，它所创造的绝对抽象的视觉语言及其代表人物的设计作品对于现代艺术、现代建筑和室内设计产生了极其重要的影响。 例如: 现代风格软床https://www.doczj.com/doc/621422652.html,/baike/abpic/item/d5462bfa574266a19e51469c.jpg 现代艺术流派的风格資料二： 风格派又称“新造型主义”，是活跃于1917-1931年间以荷兰为中心的国际艺术运动。风格派艺术从立体主义走向了完全抽象，即绝对抽象的原则，也就是说艺术应完全消除与任何自然物体的联系，而用基本几何形象的组合和构图来体现整个宇宙的法则——和谐。[2]风格派的主要成员荷兰画家蒙德里安(Piet Mondrian，1872-1944)认为，只有用最简单的几何形式和最纯粹的色彩组成的构图才是有普遍意义的永恒绘画。其作品多以垂直和水平线、长方形和正方形的各种格子组成，色彩为三原色，红、黄、蓝及黑、白、灰的组合。他反对用曲线，完全摒弃艺术的客观形象和生活内容，主张以几何形体构成“直角的美”；他还认为通过直角可以静观万物内部的安宁，可以创造表里平衡，个性和集体平衡，自然与精神平衡，物质与意识的平衡。他的作品主要隐喻是海边沙丘、辽阔的天空和运河、苹果树等。他追求的是一种冷静、理智、分割的美感，美术界称这种几何形体的抽象画派为“冷抽象”画派。 风格派思想不仅关心美学，也努力更新生活与艺术的联系，在创造新的视觉风格的同时，它力图创造一种新的生活方式。对于20世纪的现代艺术、建筑学和设计产生了持久的影响，涉及到绘画、家具造型、室内装饰、书籍装帧等多个方面，尤其对建筑设计有较大的冲击。风格派最有影响的实干家之一是建筑师兼设计师里特维尔德（Gerrit Rietveld，1888-1964），他将风格派艺术由平面推广到了三度空间，通过使用简洁的基本形式和三原色创造出了造型优美而功能完善的建筑与家具，以一种实用的方式体现了风格派的艺术原则。 风格派设计在舞台上也有广泛的应用，出生在纽约的著名舞台设计师阿德林妮?卢帕(Adrianne Lobel)设计风格多样，广泛涉猎歌剧、舞蹈、音乐、影视等创作领域。1988年在比利时布鲁塞尔德?拉?默纳剧院演出的大型舞蹈《快乐的人，幽思的人，稳健的人》是卢帕最喜欢的设计之一。她选择用抽象的方法设计，并且从风格派的绘画中得到了灵感，整个舞台由直线和方格组成，色彩单纯而宁静，纯白色边缘框作为两侧垂幕，富有很强的装饰性。根据色彩草图试验，分为冷、暖两个色调；冷色以蓝、绿、赭石和黑白色组成，暖色由桔红、赭石和黄色构成。通过运用抽象色块的反复组合创造一种液体流动的感觉和富于表现力的环境，以及大自然中优美景色的境界：绿色的原野、蓝色的天空、日落和黎明、修道院和城市、以及欣喜、悲伤、平和、骚动的情绪，风格派的表现力由此可见深远。 由刘军设计的《英语教学》小栏目也是典型的风格派作品(如图6)，整个背景是一块近似平面的很多大小相等的正方形格子组成，所有的格子线条横平竖直，格子里以桔红色、桔黄色，灰绿色、赭石色为主，但颜色纯度都很低，接近灰色调，各个颜色方格在明度上穿插变化，错落有致，在满足整体色调的前提下，将桔红色点缀分布。再用黑色英文English by TV的标题放在显要位置，起到烘托背景主题的作用。整个栏目背景简洁明了，风格独特，带有明显的风格派设计思想。 现代艺术流派的特点資料一: 近代中国画家，参考西方绘画以及现代派的作品，将其精华融汇于中国画之中，至于更有抽象式的新派国画，其用色、构图等都与传统绘画大相径庭。 现代艺术流派的特点資料二: 并不是人们喜爱现代艺术，而是它有不可缺少的作用，所以它才是犹如心肝五脏，只中用，不中看。对于一个现代人来说，完全可以厌恶现代艺术的这种或那种风格和方法、但是不能回避它。因为它最少有四个方面不容回避。 第一，现代艺术的基本性质是创造。就是说，现代艺术专门以创造、创新作为它的特征。这与中国经济要领事创造性地发展科学技术的思路一致。艺术和科学都需要创造精神，但是只是适合观众的创造，就象科学技术是合乎逻辑的创造。而现代艺术的创造旨在突破现有局限，是一种纯粹的创造。作者不创造不行。越是超常，越是奇特，其创造价值就越大。可是在局外的常人看来，真作品就奇巧古怪，不合常情。七十年代末以来，在西方现代艺术中流行后摩登。（Post-moden中文常译“后现代”）是针对在此之前极端理性原则的新的创意，更是怪诞而丰富，所含的创造实验依然。世界上有各种各样的行业，只有一种行业是专门练习和实验人的创造力的，有了这个，又可用在各行各业之中，这就是现代艺术。 第二，现代艺术侧重揭露罪恶，即使是社会主义社会，也还存在着犯罪和腐败现象，甚至有些已司空见惯，（如投机取巧和弄虚作假），更不用说其他社会。所以现代艺术一开始就充当社会的哈哈镜、显微镜和探视镜。它用奇异的形象反照不正常的社会现象；用常人不注意的角度和深度显现人间问题的原因；用常理不能体察的方式来展示宇宙和人生的内含。相对装饰、美化的艺术门类，现代艺术就显得丑陋肤浅，但是它揭露丑恶，最终却为引起人们的警醒。 然而，一般人就看不懂，也就不想看。那么，这就不得不涉及下面的二点。 第三，现代艺术是在刺激观众的自觉性，传统艺术常常把影响、感动观众作为最大的成功。电流、小说，根不能让他人为之掬一把热泪。在个人意识薄弱的时代，人们渴望被别人拯救，在精神上也愿意追随，崇拜天才的艺术家与他们的杰作，就象十几岁的少年追逐歌星。但是，人类文明的发展逐步使每个人成为自觉而独立的人。他必须自己决定自己的事（选择），同时又敢于对之负责（责任）。在精神上他的判断力和感觉都不再那么轻易在受到感动，他要追问，他应该内心坚强。现代艺术就是为这样人准备的，是为艺术上的“成年人”所预备。现代艺术一般不给人一个现成的观念和意象，而给人半个，另外半个由各人自己从心里计升起。现代艺术是一个人对一个人的互相印证，在现代艺术中，没有人是艺术家，也没有人不是艺术家。 第四，现代艺术是直接诉诸人类的觉悟境界。单独地看一件作品，这件作品可能只是创造性地揭示某一个现象，以激起观众的自我反省。而现比艺术作为整体却不是某一个活性分子，而艺术现象只是艺术本性在单个时间、某个地方对某个问题变现。此次双年晨的题目就是“海上·上海——一种特殊的现代性”。展览很快会过去，作品也会渐渐被淡忘，而现代艺术的精神因此也就在这块地方，这一群人中孕藏，这种精神靠
艺术装饰风格 石宗月 [摘要] 本文主要介绍艺术装饰风格的简史，艺术装饰风格的各种特征及其发展史和对其未来的展望。 正文： 艺术装饰风格作为20世纪20~30年代的主要流行风格，生动地体现了这一时期巴黎的豪华与奢侈。艺术装饰风格以其富丽和新奇的现代感而著称，它实际上并不是一种单一的风格，而是两次世界大战之间统治装饰艺术潮流的总称，包括了装饰艺术的各个领域，如家具、珠宝、绘画、图案、书籍装帧、玻璃陶瓷等，并对工业产品设计产生了广泛的影响。 20世纪初，新艺术渐渐失去了势头。于是法国设计师们开始寻求一种前人尚未探索过的新风格，这种新风格既要吸收过去的风格，又不落入历史主义的巢穴。他们认为，新艺术在抛弃传统方面走得太远了，应该将传统的精华与时代的新潮结合起来。巴黎是法国上流社会荟萃之地，由于上流人士的赞助，使设计师们能使用昂贵、稀罕的材料创造出有异国情调的风格，以满足有闲阶层猎奇的需要。另一方面，设计师也希望利用人们仰慕虚荣的心理，借助富人的财富来引导人们的审美情趣，将新风格推向大众。 一．各种艺术装饰风格的特征： 1. 现代简约风格 目前喜欢现代简约的TX越来越多，小编身边的朋友中装修中也是极大多数都选择了现代简约，简约不简单，也许是因为现代简约风格的低调，简洁，但是也能能体现一种文化品位的特质吸引了更多人的追捧吧，比如很多人大爱的黑白灰主调的简约，还有北欧的简约风格，宜家风格更是成为城市中小资们的亲睐哦 2.雅致风格再现优雅与温馨 如果你喜欢欧式古典的浪漫，却又不想被高贵的繁琐束缚；如果你喜欢简约干练，但又认为它不够典雅，缺少温馨，那么不妨尝试雅致主义设计 3.地中海风格 因为有着蔚蓝色的浪漫情怀、海天一色，艳阳高照的纯美自然的地中海风格特点是很多MM的大爱哦，包括小编自己捏地中海沿岸的几块具有强烈风土人
装饰这个词在西方最早出现于17-18世纪，泛指艺术修饰；在中国最早出现于5-6世纪，指修饰、打扮。“女求作布衣麻履，织作筐绩之具。乃嫁，始装饰入门。”（《后汉书·梁鸿传》）。依附于某一主体的绘画或雕塑工艺。使被装饰的主体得到合乎其功利要求的美化。装饰艺术与人的日常生活联系广泛，结合紧密，如环境艺术设计、工业造型设计，日常用品装饰。 装饰艺术运动是一个装饰艺术方面的运动，但同时影响了建筑设计的风格，它的名字来源于1925年在巴黎举行的世界博览会。当其在1920年代初成为欧洲主要的艺术风格时并未在美国流行，大约1928年，快到现代主义流行的1930年代前才在美国流行。ArtDeco这个词虽然在1925年的博览会创造，但直到1960年代对其再评估时才被广泛使用，其实践者并没有像风格统一的设计群落那样合作。装饰艺术这一术语，实际所指的并不仅是一种单纯的设计风格。和新艺术运动一样，它包括的范围相当广泛，从20年代的色彩鲜艳的所谓爵士图案，到30年代的流线型设计式样，从简单的英国化妆品包装到美国纽约洛克菲勒中心大厦的建筑，都可以说是属于这场运动的。它们之间虽有共性，但是个性更加强烈。因此，把装饰艺术单纯看作一种统一的设计风格是不恰当的。 Art Deco演变自十九世纪末的Art Nouveau（新艺术）运动，当时的Art Nouveau是资产阶级追求感性（如花草动物的形体）与异文化图案（如东方的书法与工艺品）的有机线条。Art Deco则结合了因工业文化所兴起的机械美学，以较机械式的、几何的、纯綷装饰的线条来表现，如扇形辐射状的太阳光、齿轮或流线型线条、对称简洁的几何构图等等，并以明亮且对比的颜色来彩绘，例如亮丽的红色、吓人的粉红色、电器类的蓝色、警报器的黄色，到探戈的橘色、及带有金属味的金色、银白色以及古铜色等等。同时，随着欧美帝国资本主义向外扩张，远东、中东、希腊、罗马、埃及与马雅等古老文化的物品或图腾，也都成了Art Deco装饰的素材来源，如埃及古墓的陪葬品、非洲木雕、希腊建筑的古典柱式等等。 总之，Art Deco的装饰有下列几个主要的特征： 1.放射状的太阳光与喷泉形式：象征了新时代的黎明曙光。 2.摩天大楼退缩轮廓的线条：二十世纪的象征物。 3.速度、力量与飞行的象征物：交通运输上的新发展。 4.几何图形：象征了机械与科技解决了我们的问题。 5.新女人的形体：透露了女人赢得了社会上的自由权利。
马蒂斯艺术作品的风格特征 【摘要】：马蒂斯艺术作品色彩单纯、强烈，追求一种天真原始的稚气。画面富于装饰感，追求一种平衡、纯洁和宁静感。马蒂斯作品精致、典雅的精神气息，使人进入一种平和愉悦的状态，诗意情调的理想境界． 【关键词】：装饰性; 主观色彩; 抒情意味 亨利·马蒂斯（1869－1954年）是野兽派运动领袖人物，20世纪第一场现代艺术革命的发起者之一。马蒂斯在其艺术作品中表现出对西方传统艺术规则的颠覆，强调色彩的主观性和自律性，画面呈现一种强烈的反自然的张力。在色彩领域朝着越来越主观的方向发展，并在色彩与空间的问题上做了总结性的革新，即以无透视原理的二度空间，取代传统主要以明暗变化的立体感和透视原理的三度空间，从而获得了色彩的解放。 马蒂斯在色彩上追求一种单纯原始的稚气，画面富于装饰感。从追求动感、表现强烈、无拘无束的观点，渐渐发展成追求一种均衡、纯粹和宁静感。其艺术形象仿佛生活在纯净的梦幻中，马蒂斯用他的色彩魔棒把观众带进这个伊甸园。我们从构图、色彩、意味三个方面可以领略马蒂斯艺术作品的独特魅力。 1. 简洁、强烈的装饰构图 构图是画家为表达自己的感受把各种不同因素按意图安排的艺术，马蒂斯的目的是以他具有强烈节奏感的线条的连续性和流动性，以他空间关系的逻辑，一种全新的色彩运用使我们相信他形体的真实感。马蒂斯直接使用颜料管里挤出的颜色，并大胆地融入东方绘画的技巧，追求单纯和装饰趣味。作品具有一种超凡绝伦的装饰性统一风格。 为了实现美的更高秩序，马蒂斯在构图上作了大胆创新，他以强烈的形式感引导人们认知那个被表面所掩盖而有着丰富内涵的世界。”所谓表现，对于我并不是在脸上爆发出来的热情，或通过一个强烈动作的表示。它更多是存在于我的画面上的完美的布局：各物体所占取的空间，环绕它们的空处，各项比例--这一切都对”表现”有它的一份……” 《红色的和谐》中，人物的面容、服饰以及食品、果盘等细节全被省略了，桌、墙、地面几乎融为一体。马蒂斯要表达的是一种线条、色彩的组合，他用玫瑰红作基调平涂。着重突出了盘旋的藤蔓植物，窗外的树也作抽象处理，所有的景物都已图案化，突出了强烈的装饰风格。同时，马蒂斯所创造的超脱客观空间的幻想境界又让我们在宁静中默默思考。 2. 单纯、奔放的色彩表现 马蒂斯主张让观众主动陷入整个画面的彩色之中，完全服从于色彩的感染。
对于装饰艺术运动的认识 胡心怡数码艺术学院 “装饰艺术”运动（Art Deco）是在20 世纪20 到30 年代在法国、美国和英国等国家开展的一次风格非常特殊的设计运动。因为这场运动与欧洲的现代主义运动几乎同时发生与发展，因此，“装饰艺术”运动受到现代主义运动很大的影响，无论从材料的使用上，还是从设计的形式上，都可以明显看到这种影响的痕迹。但是，从思想发展的背景来看，从意识形态的角度来看，现代主义运动的民主色彩、社会主义背景，都从来没有在“装饰艺术”运动中发生过。“装饰艺术”，特别是法国的“装饰艺术”运动，在很大程度上依然是传统的设计运动，虽然在造型上、在色彩上、在装饰动机上有新的、现代的内容，但是它的服务对象依然是社会的上层，是少数的资产阶级权贵，这与强调设计民主化、强调设计的社会效应的现代主义立场是大相径庭的。因此，虽然这两场运动几乎同时发生，互相也有影响，特别是现代主义对于“装饰艺术”运动在形式上和材料上的影响，但是，它们属于两个不同的范畴，有各自的发展规律。 20 世纪初，一批艺术家和设计师敏感地了解到新时代的必然性，他们不再回避机械形式，也不回避新的材料（比如钢铁、玻璃等等）。他们认为，英国的“工艺美术”运动和产生于法国，影响到西方各国的“新艺术”运动有一个致命缺陷，就是对于现代化和工业化形式的断然否定态度。时代已经不同了，现代化和工业化形式已经无可阻挡，与其回避它，还不如适应它。而采用大量的新的装饰动机使机械形式及现代特征变得更加自然和华贵，可以作为一条新的探索途径。这种认识，普遍存在于法国、美国、英国的一些设计家之间，特别是20 年代西方的普遍繁荣，美国更是高速发展，造成新的市场，为新的设计和艺术风格提供了生存和发展的机会。 如装饰艺术家代表：海报艺术家阿道尔夫·让—马利·莫荣）（Adolphe Jean-Marie Mouron)的笔名。莫荣出生于乌克兰，一战期间移居巴黎。在巴黎高等美术学院学习绘画。1923-1926年，负责设计了一批经典的、影响广泛的海报作品，他把现代主义，尤其是立体主义和纯粹主义的风格元素结合在一起，突出简约的几何抽象性，严谨的平涂设色、不对称的构图以及出奇的字母和图形安排都体现出卡桑德拉不同凡响的创意能力。他采用极其简单的图形，强调图形的象征和概括运用；他对于文字的兴趣，使他尽量把文字和图形综合为一体，他的海报设计是象征性的立体主义平面风格的最杰出典范。
浪漫主义艺术风格特征 在整体上而言,浪漫主义运动就是由欧洲在18世纪晚期至19世纪初期出现的许多艺术家、诗人、作家、音乐家、以及政治家、哲学家 , 浪漫主义在反映客观现实上侧重从主观内心世界出发,抒发对理想世界的热烈追求,常用热情奔放的语言、瑰丽的想象、幻想或复古等手段超越现实的夸张手法来塑造形象。浪漫主义宗旨与“理性”相对立,主要特征注重个人感情的表达,形式较少拘束且自由奔放。 浪漫主义的思想特征:一、偏重于表现主观理想,抒发强烈的个人感情。二、描写自然风光,歌颂大自然。三、酷爱描写中世纪与以往的历史。四、重视民间文学,尤其就是中世纪的民间文学。 浪漫主义的艺术特征:一、浪漫主义文学对各种艺术形式进行了卓有成效的探索,而成就最突出的在于诗歌,其中特别引人注目的就是诗体长篇小说的创造。二、浪漫主义文学惯用对比、夸张与想象,用词也倾向于华丽一路。三、忧郁感伤的情调为浪漫派作家所爱好。 浪漫主义画派派摆脱了当时学院派与古典主义的羁绊,偏重于发挥艺术家自己的想象与创造,创作题材取自现实生活,中世纪传说与文学名著(如莎士比亚、但丁、歌德、拜伦的作品)等,有一定的进步性。浪漫主义音乐的一些成分早在18世纪音乐里便已出现,狂飙突进运动中展现出的强烈精神与情绪成为了哥德小说的先驱,而法国大革命时期也出现了一些带有血腥而激情风格的歌剧,浪漫主义音乐便就是在
这时期开始显现出其独特的风格。 在音乐方面,浪漫主义作曲家强烈地表现出自己的癖好,这与受形式支配的古典主义格格不入。古典主义音乐象线条一样鲜明;而浪漫主义音乐则偏重于色彩与感情,并含有许多主观、空想的因素。在视觉艺术与文学上,“浪漫主义”代表的通常就是从18世纪晚期至19世纪的期间。浪漫主义文学里经常可以发现的特色在于对于过去历史的批判、强调妇女与儿童、对于自然的尊重。除此之外,一些浪漫文学的作家例如纳撒尼尔·霍桑,还将她们的作品根基于超自然/神秘学与人类心理学的基础上,她们都对此深深着迷。
室内装饰织物艺术设计风格的含义 室内装饰织物艺术设计的风格研究属性是指每个风格名称都代表了一组典型的风格特征,济宁软床给作品界定了风格后,该作品则具有了相应的特征属性。例如现代广受欢迎的现代简约风格,是在现代主义的形式追随功能的基础之上发展出来的具有新时代特征的一种设计风格。这种风格一旦确立,室内设计及陈设都具有了这种风格的特征。对应的,具有这种特征的设计我们也称之为现代简约风格。表达则设想风格是独立于内容的,不同风格可以表达相同的寓意而不会改变作品的含义。这样,风格特征可以在可选方案中自由选择来表达期望的风格。这个是室内装饰织物艺术设计风格功能的另一重要特征。作品被赋予某种设计风格,其最终目的是要给作品一定的内涵,设计风格成为了表达作品内涵和寓意的重要手段。以美式乡村风格为例,这种设计风格利用其风格特征表达了一种亲近自然,休闲随意的室内居住理念。当然要表达自然的居住观,也可以通过其他的设计风格来进行表达,如现代田园风格。而美式乡村设计风格本身的表达又要通过一些传统的图案和特定的色彩来实现。激励是指所有的风格特征可以被分解成基本单元,这些单元可以按照预定义的规则构建期望的风格。每一种成形的设计风格必然有着它发展的历史和独特的文化含义,因而带来了构成这种风格的风格特征。这些风格特征划分出来若干个单元,这些单元要构成设计风格,可以按照一定的组合方式和原理来进行设计。这种设计风格单元的构建规则可以为设计师提供及为有效的设计基础。尽管不同领域风格的功能各有不同,但都可以归纳为分析,评价,综合这三种最基本的方式。分析用来识别个人风格,群体风格,某一时期,地域的风格等。评价是将作品同标准的风格特征相比较,从而确定其风格分类。综合各种风格特征可以衍生新的风格。这三种功能确定了风格应用的基本模式。 1.材质 材质的概念是和触觉有关的。当织物与人体接触,摩擦,当我们用手抚摸,按捏布料时,我们会获得一定的感受,这种感受与视觉,味觉,嗅觉和听觉相结合,使我们对织物及其材料有了更深一层理解。触觉的产生有时并不完全取决于你是否真正接触物体,通过视觉或听觉也能获得对其表面特质的/触觉0(或者说是一种幻觉),我们把它称之为/肌理0。质地偏向于触觉的感受,而肌理则可以借助于触觉之外的感官获得。肌理并不强调构成面料的具体素材,而只关心表面效果。肌理就是物体表面的现象特征,研究肌理现象,能使设计者创造出激活人们视觉享受,唤起人们心灵美感的纺织艺术作品来。装饰织物的艺术装饰功能,除了表现在由织,印,轧,绣,剪,烂等工艺产生的图案色彩的艺术美上,另一方面也表现于通过材料,织造,后整理等产生的质地纹理的风格美上,而且,这也正是装饰织物与其他艺术装饰产品相比较独具的艺术风格一词被广泛用于描述各种事物的不同特征,如文学风格,建筑风格,音乐风格,绘画风格等。风格在不同领域有不同的定义角度和层次,比如,在建筑领域,saarinen[.0嚼出了一个简明的定义:风格是一种造型语言。对于音乐领域,Mayer[川提出的定义是:无论是人类行为本身还是由此产生的人造物,风格是一种重复的模式,是在特定约束下的一系列选择结果。对于视觉艺术,Dondis定义:风格是各种元素,技术,法则,灵感,表现,基本意图的综合体。由于风格概念十分宽泛,很难为设计领域找到某个合适的定义,所以需要为设计重新确定风格的概念=.3>。从系统的角度来总结事物的特征是一条有效的途径,以下将通过对形成室内装饰织物艺术设计风格的功能,材质,形态和风格特征这几个方面的分析来归纳风格的概念。 2.功能 对于一个系统,组成元素是其包含的内容,结构是其构造方法,功能是其期望达到的目标。自然生命系统所能实现的功能受有机体自身限制,由其内部构造决定。对于人造系统,功能必须在设计内部结构之前给出定义。人造系统的功能是外化的,在系统运作之前必须进行仔细的分析和界定。通过界定现代室内装饰织物艺术设计的风格,可以使设计师明确设计的效果,在设计和选择织物的图案,色彩及造型时有了一定的方法和基础。sChapzr。和Enkvist详尽地概括T风格的功能,其中将功能进一步分解为分类,属性,表达和激励四个层次是最具代表性的归纳。 分类是设想每种风格存在于特定文化中,特定文化氛围中只有一种风格或者是限定范围的一些风格,一组具体的风格特征具有某个特定时代或地域上的表现方式,代表某种风格特征的风格名称可以用于分类和识别作品。在整个室内设计领域,设计风格的分类功能是非常显著的。对于室内空间运用大面积的装饰织物,这种风格的分类奠定了设计师设计和选择织物基础。现代生活向着多元化和个性化方向发展,室内装饰织物