交响乐队中各组乐器的作用交响乐队的真正形成是在近几百年内，严格来说就是在维也纳古典乐派所兴盛的时期。
在这之前，交响乐队的结构组成并不完善，还只是一些编制不全的管弦乐队。
如在海顿和莫扎特的创作中，乐队的编制和规模也仅仅限于室内乐特征的小型乐队。
交响乐队形式和编制是在贝多芬的创作中达到完善的。
如在贝多芬交响乐的创作中，双管或三管编制的交响乐队得到了基本确定。
后来，在整个19世纪早期到晚期的浪漫主义音乐全过程中，交响乐队编制和组合形式又得到了进一步的完善。
大型四管交响乐队的出现和各种特性乐器的加入，更加丰富了交响乐队的音响效果和艺术表现力。
这些特征在马勒、理查－施特劳斯及20世纪现代作曲家普罗菲耶夫、肖斯塔科维奇和斯特拉文斯基等人的创作中体现得尤为充分。
由于交响乐队采用了这么多的乐器编制，所以它有着非常丰富的表现力。
交响乐队根据作品风格的需要，它又分为编制上的不同。
如单管编制、双管编制、三管编制、四管编制等等。
乐器比例：交响乐队以木管作为判定编制的标志：“双管”编制的乐队（总人数约有60余人）；“三管”编制的乐队（总人数约有90余人）；“四管”编制的乐队（总人数约有110多人）。
为了合各组乐器之间数量的比例合理，随着木管乐器的增减，弦乐器及其它乐器的数量也要随之变化，以保持声部音响的平衡。
第一，音乐指挥家。
音乐指挥指导整个乐队的音乐演奏，使得多个声部的演奏能够成为一个整体，可谓一个乐队的灵魂人物。
对乐队的指挥也是音乐的一种诠释和再创作。
指挥家詹姆士·列文曾说：“指挥棒也是一种乐器。
”有人说，听音乐，就可以知道指挥的性情修养。
音乐指挥在台上的作用有以下几点：一，提示演奏员。
一部作品常常规模庞大，演奏者往往不能在看谱的同时记住所有排练时要求的所有细节，这时，指挥在台上的手势会起到提示作用。
二、决定一些无法定量的处理。
比如，演奏员记得某处指挥要求渐慢或渐快，到底慢多少，快多少，从哪里开始慢，到哪里回到原来的速度等等这些，是无法量化在谱面上的，只能看指挥临场的表达，因为艺术是需要情绪的，不是写下来就行了的。
三，临场发挥。
演出，本身会让人处于一种亢奋的状态中，指挥常常在演出中迸发出排练时没有过的激情和想法，所以，演奏者必须注意指挥在台上的动作，并且要和指挥配合默契，一旦指挥出现了排练中没有的处理，演奏者反应要快，要立即表现出来。
这种临场发挥常常是相当精彩且不可复得的。
四，表现性，增强作品感染力。
这一点并不是所有指挥都有，指挥各有各的风格，有的指挥看上去沉默，热情都在心里和手上，有的指挥则表演性很强，在音乐传达感情的同时，指挥自己也在用形体动作给观众传达着自己的情绪，也就是说，有的指挥确实有指挥给观众看的成分，比如最典型的日本指挥家小泽征尔。
第二，弓弦乐组，即包括了小提琴、中提琴、大提琴和低音提琴。
弓弦乐乐器表达含蓄，声音悠扬缠绵，适合关于情感歌曲的主题，所以流行乐中运用得比管乐器要多得多。
提琴自出现以来，广泛流传于世界各国，像钢琴一样，受到世界各洲人们的喜爱。
特别是小提琴，由于它艺术表现力丰富、音色优美，具有歌唱般的魅力，所以小提琴最受人们的欢迎。
不过流行音乐，可不同于古典音乐，流行音乐的主角是歌手，而不是第一小提琴手或是钢琴家，而且流行音乐的伴奏乐器也不是提琴。
弦乐在流行音乐中的运用不同于古典音乐，不可能让小提琴手来一大段的华彩独奏，也不能让提琴替代钢琴和吉他等乐器。
所以，弦乐在流行音乐中是配角，起着烘托主旋律、渲染歌曲氛围、丰富色彩和充实歌曲音响效果的作用。
第三，木弦乐组，木管又分：“无簧乐器”，有短笛、横笛(也称长笛)；“单簧管”有竖笛、低音单簧管、萨克斯管。
管弦乐团常用的是Tenor与BaritoneSaxo—phone，其他还有倍高音、高音、中音、低音等萨克斯管；“双簧管”有高音双簧管、英国管、大管、低音大管)，虽都是木管双簧的乐器，实际上它们是高音、中音、低音的排列。
其中长笛、双簧管、单簧管、巴松管、低音巴松管，在18世纪的器乐中经常出现。
到了19世纪则成为增强戏剧性气氛的主角。
交响乐乐器中，我们知道，弦乐器组的各种提琴的外形大致相似，而且几乎同在一个历史时期形成。
但是木管乐器组则不然，它的发展很不平衡，其中有的在远古就已闻名，但有的很晚才出现；而且，木管乐器组所有乐器的制作至今一直还在改进和完善。
各种木管乐器各有其独特的外形和构造，吹奏的姿势和方式也不尽相同。
木管乐器的声音不如弦乐器那样饱满，它的力度变化也不如弦乐器灵活。
但是木管乐器的音色多样，音域宽广，它可以激化弦乐器的音响效果。
也可以使铜管乐器的音响得到和缓，使整个乐队更加融洽和统一。
木管乐器组中的每一件乐器多半单独演奏，可以充分发挥各自惊人的灵巧，它不像弦乐器组那样主要是集体的表演。
木管乐器组的每一种乐器一般只用两个到四个，因此，这一组的总人数要比弦乐器组少得多。
这时候，它同竖琴和古钢琴一样，也是家庭音乐演奏最普遍受欢迎的乐器。
长笛的制作不时在改进，一直到十九世纪中叶才基本上达到完善的程度。
单簧管的外形同双簧管有点相似，但是它比其它木管乐器较迟用入交响乐队中，大约是在十八、十九世纪之交才开始被采用的。
单簧管的原名“Clarinetto”、同拉丁文“明亮的”(Clarus)一词有联系，这正好也部分地说明了单簧管的音色特点。
十九世纪中叶单簧管在技术上已经达到高度完善的程度，但是大管在木管乐器组的四种基本乐器中是音域最低的一种，大管的管身很长，因此做成两个管子重叠在一起的样式，就像它的意大利原名“fagott”所表明的那样，像是“一捆木柴”。
大管远在十七世纪就已开始用入交响乐队，但是它只是在十八世纪下半叶才最后在乐队中站住脚。
大管在交响乐队中的数量起先没有定规，从一个到八个不等；在亨德尔的时代，人们由于特别喜欢大管，它的数量有时候甚至多于小提琴，例如，小提琴用三个，而大管却有四个。
第四，铜管组，包括短号(短喇叭)，小号，法国号，伸缩号，大号(低音号)。
铜管乐器的前身大多是军号和狩猎时用的号角。
在早期的交响乐中使用铜管的数量不大。
在很长一段时期里，交响乐队中只用两只圆号，有时增加一只小号到十九世纪上半叶，铜管乐器才在交响乐队中被广泛使用。
铜管乐器的发音方式与木管乐器不同，它们不是通过缩短管内的空气柱来改变音高，而是依靠演奏者唇部的气压变化与乐器本身接通“附加管”的方法来改变音高。
所有铜管乐器都装有形状相似的圆柱形号嘴，管身都呈长圆锥形状。
铜管乐器的音色特点是雄壮、辉煌、热烈，虽然音质各具特色，但宏大、宽广的音量为铜管乐器组的共同特点，这是其它类别的乐器所望尘莫及的。
中世纪在西欧音乐文化中，小号成为王室或骑士的乐器，它是代表"英雄"的，常用于战争或队列之中。
小号进入交响乐队之后，它的这种作用甚至也还保持了下来，曾经有过一段时间，小号在乐队中坐在特别显眼的位置，比其它演奏员都高一些。
因此，许多作曲家时常给小号尽可能多的表演机会。
长号在瓦格纳的歌剧《唐豪塞》序曲中强力的歌唱和在歌剧《罗恩格林》第三幕前奏曲中爆发出的威力，都是它的特点所在。
第四，打击乐组，包括定音鼓、低音鼓、小鼓、钹、三角铃、铃鼓、排钟、锣、木琴、钟琴、钢片琴、雪橇铃、响板、砂槌、棘轮、牛铃、布谷鸟笛、盒梆、乐鞭、小铃等。
打击乐组在乐队中大多都可用于独奏，如钢片琴、钟琴、木琴等，大多用于烘托气氛，如定音鼓、沙棰、铃鼓、铜钹、大军鼓、排钟等。
交响乐队的最后一组乐器是打击乐器。
打击乐器在乐队中没有独立的意义，它除了一般用以增加乐队音响的光辉和华彩，或者用作声音模仿的目的之外，主要是从节奏上强化乐队的音响，它在节奏方面所起的作用和造成的效果，在整个交响乐队中没有一件乐器可以同它相比。
打击乐器的种类、样式和质地以及发音方法都很不相同，从制作材料上说，有的用皮,有的用金属或者木材。
打击乐器组所有的乐器可以分成两大类：第一类可以调整音准，即可以发出一定高度的音，这类乐器包括定音鼓、木琴、排钟、管钟和钢片琴等；第二类不能调整音准，没有一定音高，这类乐器包括三角铁、铃鼓、响板、钹、小鼓、大鼓和锣等。
打击乐器组一般排在舞台后沿偏右的地方，位于铜管乐器之后。
看来，打击乐器在世界上可以说是历史最悠久的乐器，人们在学会利用弦线和哨片发出声音之前，已经懂得在木头或瓦罐上打出节奏来。
在原始社会的整个历史中都有最简陋的鼓存在。
有一些打击乐器、如锣、木琴、鼓和响板等，是从古代东方传入欧洲的，其中像响板这种乐器，一直被用于欧洲民族的舞蹈音乐中。
打击乐器用入歌剧和舞剧乐队的时间较早一些，只是到十八世纪下半叶才有个别打击乐器，如定音鼓等开始用于音乐会乐队。
但是，随着标题音乐的发展，为了充分揭示作品的情节内容，打击乐器也广泛地被采用。
打击乐器的数目最不定规，纯粹根据作品内容的需要而定总体而言，弦乐器组的乐器数量最多，单是第一小提琴就有十多个，但是其他各组中的每一种乐器一般只用两三个，甚至也有只用一个的。
每一种乐器所能奏出的音是不尽相同的，有的容易奏出高的音，有的容易奏出低的音，有的容易奏出快速度的活泼的旋律，有的则适合于奏出徐缓悠扬的曲调。
把这些不同性能的乐器结合在一起，就得考虑到使这些乐器能够相辅相成，而不是互相妨碍。
因此首先就得使这些乐器在数量上保持一定的比例。
现代乐队中的乐器配置是在十八世纪中叶形成的，在这之后虽然乐队的组织日渐扩大，但是乐队中各组乐器的比例并没有多大变化。
其实，在每个组乐器奏都有担任主旋律和副旋律的乐器，并也每组乐器的高中低声部乐器都有，所以才使乐队的各个声部显得十分的饱满。
