![关山月 [从《油龙出海》谈关山月20世纪70年代的山水画创作]](https://img.doczj.com/img5f/1b4vh8q1qhx5tqzuxde2htd9ur87437j-f1.webp)
![关山月 [从《油龙出海》谈关山月20世纪70年代的山水画创作]](https://img.doczj.com/img5f/1b4vh8q1qhx5tqzuxde2htd9ur87437j-52.webp)
2011年6月，在北京保利春季拍卖会的北美华人藏中国近现代书画专场上，关山月的一幅创作于上世纪70年代的山水画作品《油龙出海》(见图1，以下称海外回流版《油龙出海》)以1495万元成交。且不论这是关氏作品单幅拍卖价格的一个新纪录，仅从它曾参加1975年的全国美展和曾被印制在1976年广东画报的年历上，就可知这幅作品在关氏山水画艺术中占有的重要地位。
机缘巧合，2011年，深圳市关山月美术馆向社会各大文化机构征集关山月存世作品的图片，将出版《关山月全集》以庆祝2012年关山月诞辰100周年纪念，笔者在整理关山月先生的手稿时发现了关氏当年为写传记而准备的“关山月传资料”，当中夹有一份父山月于1975年8月13日草拟的《油龙出海创作体会》。通过这份资料再参照父氏家属藏的另外一幅《油龙出海》(图2)和一幅名为《晨炼》(图3)的作品，我们可以比较清晰地还原关山月当年在创作这幅作品的构思与技法方面的探索过程。
海外回流版《油龙出海》
1949年，新中国成立以后，社会环境与政治环境都发生了巨大变化，强调的是去旧换新，文学与艺术界也配合当时政治大方向而重建与革新。中国画的生存环境也急剧改变，一切艺术都强调为工农兵与无产阶级政治服务为宗旨。中国画的变革势在必行，在新时代的转型被逼到了风口浪尖，可以说这使得许多一辈子因袭传统的中国画家面对这突如其来的巨变无所适从。但对于岭南画派20世纪重要画家的关山月来说，这种国画变革并不觉得不适应。因为由岭南画派创始
人高剑父先生于20世纪初提出的艺术革命的宗旨就是改革当时画风萎靡不振的清末中国水墨画，推崇洋为中用，古为今用的国画创新主张。而关山月作为岭南画派传人，也一直秉承这个理念试图在中国画艺术上作出突破。
从上世纪50－60年代的关山月山水画作品中，我们可以觉察出他在创作中有感于社会政治风云的变化，通过艺术方式的改变作出积极的反应。如1954年关山月创作的《新开发的公路》(现藏于中国美术馆)，是一张较成功的表现新中国时代风貌的山水画作品。这幅作品应该说最能体现新中国初期关氏在探索中国画转型方面的成果，画面主题表现了在险峻的山岭中依山势而忽隐忽现的盘山公路，前景描画了具有南方特色的树木以及注视着公路上汽车急驶而过的猿猴群落。如果排除掉盘山公路、汽车及电线杆，这完全是一幅笔墨十分传统的中国画。但由于有了以上物件出现，作品的时代特色就被巧妙地凸显出来。而公路、汽车等景物的描画方式与山石树木的用笔十分统一和谐，让人并不觉得突兀和不自然。理论家刘曦林对这幅作品评价道“其从朝气蓬勃的社会主义的建设中汲得灵感，以群山峻岭中响起新中国建设的轰鸣，惊醒山林的寂静，以‘新开公路’这个新生事物的描绘，来借喻新中国开天辟地的变化，此作中关山月巧妙地以山野猿猴惊异于山河之变，进而从侧面展示画面主题。”(《建设新中国》，第53页，广西美术出版社2005年)
海外回流版的《油龙出海》创作于“文革”结束后的1975年5月，风格与60年代作品有所不同。该画曾参加当年举办的全国美展，为表现新中国建设主题的典型作品，作者表现工业化景物的笔墨技法相当成熟。作品带有“文革”时期
的视觉艺术的特色“红、光、亮”，描绘的是70年代南海边上某个日出的早晨，前景为在火红的凤凰树衬托下，延海岸边行驶的一列油罐火车。骑自行车上早班的工人队伍前后呼应作为点缀。背景的天空中一轮红日冉冉升起，海面的波浪泛着金光。停泊于远处的远洋油轮已经做好出发的准备。这幅作品在当时十分引人注目，曾入选1955年“第二届全国美展”。
该画是关山月20世纪70年代到广东茂名的石油城体验生活后回来的创作。在体验生活期间，画家通过仔细观察画了大量石油基地设备和炼油工人工作的速写。这都是体现了关氏一直强调的艺术从生活中来的主张。同时在技法上作者也敢于做各种不同技法尝试，作者为追求水波在阳光下闪烁的感觉，曾反复斟酌和试探不同的表现方式，最终作品呈现给观众的是带有强烈时代烙印的中国画改造效果。
从《晨炼》到《油龙出海》
在关氏家属手中还藏有另一件《油龙出海》，其布局与海外回流的《油龙出海》基本一致，最大区别是家属藏的作品描画的是带运煤车卡的、烧煤的旧式蒸汽动力机车头，滚滚白烟从机车的烟囱冒出。海外回流版画面中火车是绿色的电动机车头，是代表了那个时代我国铁路运输最先进的技术。还有海外回流版作品多了一个笔直的铁道信号灯，这给构图上都是横向线条的画幅增加了垂直的线条变化，让画面效果更加丰富多变，这是家藏版所缺少的。比较以上两幅作品，不难看出，家属藏《油龙出海》是较早创作的作品，是雏形；而海外回流版《油龙出海》是
在此基础上再进行改动的版本。另从作品题款的时间也可以印证这个推论，关氏家藏《油龙出海》落款时间是1975年春，而海外回流版落款是1975年夏。
值得注意的是，关山月这时期的另一幅作品《晨炼》(1975年)描绘的是日出的南海岸边，火红的凤凰花树下，一队骑车背着步枪与靶子去练习射击的女民兵(让人想起红色娘子军)。背景的红日与海岸线上停泊的邮轮、小岛、灯塔等与《油龙出海》中表现的场景基本一致。不难推断关氏是在创作《晨炼》后再演变出《油龙出海》。而这从关氏《油龙出海创作体会》一文中可以得到证实“……最初只着眼于五月的南海边，有油码头，有海防民兵，凤凰花只是一个点缀，三者联不起来，且分散了主题。最后把民兵改成油车，把凤凰花画成火红的波涛，把三者联系起来，目的是为了突出《油龙出海》这个主题思想……”(见关山月手稿《游龙出海创作体会》)
从以上三幅作品我们可以基本还原关氏创作《油龙出海》的过程，看出由一张小场面的《晨炼》经数次改动，最终创作出场面巨大，主题中心思想突出社会主义建设的艺术作品。
对于关山月来说，技巧、形式的变化常常是以内容的变化为转移的，中国画创新的动力只能是源自于社会生活的变化，源自新的审美观念的发展。但对于绘画技巧方面，关山月一直是十分重视的，他在其画论中也谈到“如果仅有攀登世界艺术高峰的雄心壮志，而没有足够的提高其艺术质量的艺术语言和艺术手段，还是不能成功的。我们向一切优秀遗产学习，向外来艺术学习，向姊妹艺术学习，
特别是向祖国的民族传统绘画学习，目的都是为了丰富自己，充实自己，提高自己，使自己掌握更多的艺术形式和有关的艺术规律，作为我们的新文化建设的有利武器。(《关山月论画》，第78页，河南美术出版社，1991年)
山水画写生心得 山水画写生心得 山水画写生心得胡阶庆一、山水写生之乐画山水画，不走进大山中去写生，是很难把握住山水的灵魂的，山水画写生心得。那么，当你背起行囊走进大山的时候，你便到了与世隔绝的另一个世界，让你超然随想，让你信笔挥洒。在山水间，听鸟唱虫鸣，飞瀑喧泄；观山润花放，云起云落。一派脱除尘俗的感觉。在这里要强调的是，要想在山水间写生，就要选择适合写生的地点。就连现在最时尚的旅游都时兴“无景点旅游”，因此，我们写生千万不要到著名的景点去，乡野山村最入画。在写生前，一般我都要先打听，山里能不能住宿。有些景区今天买完票，明天再画还要买票，最好别去，画着不方便。一般我选择买一次票进村，一呆十几天。比如离我们不太远的山西、河北、河南等地都有景区内有农户的，而且这些景点取得游客极少，一种原生态的味道。如果再近，那就是蓟县山区，津围公路和去盘山道路两旁的小岔口，进取都有不错的风景。在山里除了写生、放松心情以外，还感悟自然，写一些山水情怀的体会。比如，我在兴隆写生的时候，看到一株长在山巅的小松，向导说它叫“忍者”，问了原因，才知道：一颗小小的松子，在缺水、少养分的石缝山巅生长，实属不易。向导说这棵树有上百年，可它的粗细、高矮开上去也就像十几年，在旅途中，我有了感悟——正是它不事张扬才寿过百年。如果长得太高太壮，要么因养分不足而苦干，要么在山巅遭雷电击垮，这都难使它保全，正是这种涅槃的状态，让我们今天还能看到它的身姿。由此，我想到人和自然物象是一样的道理，回来后写了一篇散文《走进自然呈大道》。二、写生之险到山里写生，可谓：与自然亲密接触。往往会让人亲历险境，让我们终身不忘。比如，有一年去兴隆写生，向导把我们带到半山腰，然后指出路线，我们便去爬山。但到下午四、五点钟，山雨突至，天马上阴沉下来。这个时候肯定是马上下山，但是我们却找不到下山的路。这时，不远处传来大型猫科动物的“咕咕”声响，这更增加了我们的恐惧感。路旁和我们一样迷路的一直戴胜鸟，特别可爱，花纹奇特，可是已经无心欣赏。雨越下越大，我们灵机一动——顺着流水的方向走，
育明教育独家专注中国艺术研究院考研专业课辅导 育明教育官方网站：https://www.doczj.com/doc/5618496008.html, 12017年中国艺术研究院美术（专业学位）考研招生信息、考试科目、导师 育明教育提示：2017年中国艺术研究院美术专业学位（实践类）考生须知 一、第四门专业创作业务课二【511专业创作】考试时间为6小时： 中途不得离开考场，考生自备饮用水和食物。二、美术实践类各研究方向考生自备材料及工具要求： （一）中国画创作方向考生，自备笔、墨、颜料、笔洗、毛毡、裁纸刀等适用的国画材料与工具（纸张、画板、画架等由考点提供）。 学科、专业名称（代码）研究方向指导教师考试科目 17中国山水画创作研究曹建华一级美术师 ①101思想政治理论 ②202俄语或203日语或204英语二③711艺术概论④511专业创作18中国山水画创作研究赵卫一级美术师 ①101思想政治理论 ②202俄语或203日语或204英语二③711艺术概论④511专业创作19中国山水画创作研究张伟平教授 ①101思想政治理论 ②202俄语或203日语或204英语二③711艺术概论④511专业创作20中国山水画创作研究袁学军一级美术师 ①101思想政治理论 ②202俄语或203日语或204英语二③711艺术概论④511专业创作
育明教育独家专注中国艺术研究院考研专业课辅导 育明教育官方网站：https://www.doczj.com/doc/5618496008.html, 2（二）书法创作方向考生，自备笔、墨、砚台、颜料、笔洗、毛毡、裁纸刀等适用的书法材料与工具（纸张、画板、画架等由考点提供）。 （三）书法篆刻创作及篆刻艺术创作方向考生，自备笔、墨、篆刻工具、印泥、砂纸、拓边款用的工具与材料、笔洗、毛毡、裁纸刀等适用的书法、篆刻材料与工具（石料、宣纸、印签纸等由考点提供）。 （四）油画创作方向考生，自备画笔、油彩、调色板、图钉、裁纸刀等适用的素描及油画材料与工具（画板、画架及统一规格的画框由考点提供）。 （五）雕塑创作方向考生，自备泥塑工具、铁丝、钳子、素描用笔（雕塑泥、纸张、画板、喷壶由考点提供）。 （六）陶艺设计及视觉传达设计方向考生，自备笔、墨、颜料、笔洗、尺、裁纸刀等设计用绘图材料与工具（纸张、画板由考点提供）。 2015年中国艺术研究院美术（专业学位）【711艺术概论】考研真题 育明教育独家内部提供 一、名词解释（育明教育独家提供）1、彩陶2、随类赋彩3、题跋4、南桃北柳5、米洛的维纳斯6、塞尚7、苏州园林8、敦煌写经
关于《春韵》的创作感想 学生姓名：毛熙茜指导老师：杨耀华 这次我的毕业创作选择了以山水的形式完成。一方面原因是在悠悠的历史长河中山水画在国画领域里有着不可替代的地位，它仅凭寸方可见天地却表现了意境深远的千丈重峦，是从古至今雅俗共赏且观赏性强的作品。另一方面，便是我个人对山水画的喜爱，自从上大学以来，我游历过很多大山名川，收集了许多珍贵的图像资料并铭记于心。今年4月，游绛县小北山，见迎春花漫山红遍，又整理素日积累素材，由有此作。为了更好的完成创作,我针对这一题材选了一些具有时代性标志和山水鼻祖的名画作为参考，也翻阅了许多作品和书籍,从中选择了一些我的创作可以用到的东西。写这篇论文不只是为了介绍我的作品,更是想要从中学习总结一些知识,写下来会帮助我更好的记忆 一、《春韵》的取材及它的审美意义 （一）、《春韵》的取材 鉴于我的毕业创作《春韵》绘画形式选择画了山水, 就艺术作品来说，任何作品都是要经过自己长期的生活体验和思想感情的相互融合加之个人的修养酝酿而成。谢赫所云六法中以气韵生动为先,只有融入自己真情实感的作品才可以有气韵二字.创作才有可能成为一幅好的作品。因此我的取材自己亲身游历过感触深刻的山水和春景加以融合。 古人言:“至山水之全景,须看真山,其重叠压覆,以近次远,分布高低,转折回绕,主宾相辅,各有顺序。”1看过真山后才可以真正的了解山的走势结构,才可以更好的构图。因此通过亲身的踏青经历提炼而来的取材有利于更好的完成绘画作品，我选择的春天和山水，都是大自然的杰作，是正面催人上进的力量。面对美景，仿佛使人避离了城市的喧嚣与浮躁，释放心情，感受自然。所以在创作过程中我会赋予它更多的真实情感。贴近生活，反应内心世界的深邃、纯洁、朴实。具有一定的审美意义。许多古人也都是以绘画的形式借景抒情，同时也让其他人领悟感受到美景，与作者的心情。取材贴近生活和自己的亲身经历显得尤为重要。我在选题上反复斟酌，又与指导老师多次讨论，最后终于确定了《春韵》这幅作品的定稿。 （二）、《春韵》的审美意义 山水画有着诸多传统文化内涵精髓。中国山水画从来就不是对自然的简单模拟，而是将人对自然山水的感觉与知觉上升为感情与想像相结合的山水意境，将观者引向文化的自在和精神的超脱之境，从表像深入到内在的精神内涵。 《春韵》这幅作品巧妙的借鉴了古代山水画的构图形式，以及着色基调。以小青绿山水设色，使主题画面愈显幽深繁郁，大胆应用大面积曙红为暖色调，使整幅作品显得即古朴稚雅，又不失活泼。山水情怀在画面中呈现温暖和舒适感。而就这次创作而言，创作过程中使我对美有了新的认识的同时陶冶了情操，我想这就是这幅作品多我而言最大的审美意义。 1清唐岱、《绘事发微》
山水画写生与创作 1、定心静观： “万物静观皆自得”；“静坐、凝神、存想”不要只看到表面的东西，要寻找内涵的、本质的规律和奥秘。正如常说的：“心有成见，视而不见”，所谓成见，就是说，你只看到表面的一些现象，就认为您对它的整体以及内部规律都了解了，就认为它非常简单。所以，有了成见或一般的常识性认识之后，在写生的时候就观察不深入，所以，成见和常识是写生时候的最主要的障碍。要剥开常识和成见的表面，去观察内部的规律，自然界的规律都是内涵的，要把眼前的一切对象都看作是生疏的，要加以重新认识，使一切都充满了新鲜的感觉之后，再开始描绘。 2、凝神构思： 好的作品是“若不经意”，但是，若不经意，并非是真不经意，是“经意之极，若不经意”。 3、意匠加工： 意匠是艺术家对生活素材的加工手段，也是一个艺术家水平高低的一个标志。意匠是创造意境的必要的加工手段，中国艺术长于大胆剪裁，有时候几乎剪裁到零，所以中国画上经常有大量的空白，这和中国戏曲艺术的处理是完全一样的，即，以虚代实。 4、夸张： 夸张是感情强化的表现，在感情上给人以最大的满足。具体到画面上，要密处更密，疏处更疏。强化与减弱。
5、山水画的透视： （1）“三远”法：“自下而观其上，谓之高远”（仰视）；“自前而观其后，谓之平远”（平视）；“自前山而观后山，谓之深远”(俯视)，深远，层层叠叠，不知其有几千万重，深处宜曲，此最难处理。 （2）散点透视：必须打破焦点透视的局限与束缚，特别是较长的竖幅和长卷，尤其如此，在一个画幅里要有多个视点，也就是说视点是不固定的，是游走的，否则画面易散。围绕每个视点使画面内紧外松。 （3）云遮雾挡法：为消除散点透视在画面中所产生的矛盾，可巧妙地用云雾（空白）进行调和，使画面趋于协调。 （4）剪裁与取舍：“取近不取远，取远不取近”，一般要将描绘的重点放在中景。 （5）门板式透视：视平线的位置要尽可能的高，前后景物透视变化不能太大，这样，可以使画面有更大的容量，可以把远处的景物表现得更清楚、更具体。 （6）中国山水画的透视法则，在创作实践中可互相结合，灵活运用。 6、构图形式与法则： （1）开合：绘画上的构图的“开合”与作文章的“起结”是一样的，一篇文章大致有起、承、转、
中国画山水画写生技巧分享 中国画山水画写生技巧分享 中国画的"写生"，往往是"皮袋中置描笔在内，或于好景处，见 树有怪异，便摸写记之，......"(元·黄公望《写山水诀》)。中国 传统的山水画写生观中，实在是把对自然的深入观照和细微体悟放 在首位，并使自然山水与画家心灵互融神会，最终达到顾恺之所说的"与山川神遇而迹化"的目的.为达此目的，光是"模写"是远远不够的。遍游名山大川，融汇于胸，然后发于毫端，而至传神。观照与 体悟的功夫是必须到家的，只有这样，才有可能神遇而迹化。 中国古代山水画的写生观，其实是把人与自然山水融为一体，山水即我，我即山水，所以在"物我"之间了无阻碍，既然山水之神已达，必定形神俱足。这一点是目前现代意义的"写生"无法达到的。 但其精神，对现代山水画写生教学，也有其积极作用。 一、现代山水画写生的作用 1.写生的.桥梁作用 中国画的学习，一般均从临摹入手，并且往往始终伴随着学习的全过程。作为学习国画的一种重要手段，通过临摹，能在短期内高 效率地迅速了解国画的各种基本技法，从而达到事半功倍的效果。 但由于国画技法，如山水中的皴法等，经过前人反复锤炼，已成十 分完善的程式，临摹一久，很易被其完善的程式所迷惑而不能自拔。而通过写生，就能使学习者在传统技法下的程式化山水与真山实水 之间架起沟通的桥梁。一方面，以所习技法表述真实山水，另一方面，用大自然中山水的万千姿态，印证传统山水程式，明了这些程 式之由来。 2.写生的记录作用
作为游历山水时的感受的记忆手段，写生也有其重要作用。且不论古代没有相机、摄像机，对不可能长游细察的山水记上一"异"十 分必要，即使在现代，有了相机等现代化记实工具，但当面对真实 山水时所得的感触，同时因地、因气候变化的阴晴明晦、云蒸岚飞，都会有许多变化。这些用写生记录，往往比较切合感觉，而一拍成 照片，往往反而因太"真实"而缺乏感人力量。 3.写生的体微作用 比较山水画的临摹与写生，临摹等于是在求教名师，只要精研细察，必能得莫大收益。但光从临摹上得到体会，毕竟是吃别人嚼过 的馍，"纸上得来终究浅"。如不能把这些临摹所得与自然真山水相 比照，一不小心便会陷入泥古的泥潭而不能自拔。在这里，直接面 对活生的自然山水，通过细致入微的观察，往往会有自己的独特体会。这些独特体会经过多次强化，并反复去粗存精，就会成为个人 绘画风格面貌确立的起点。 也正是这一点，才是现代山水写生教学向传统山水写生观靠拢的起点。 二、现代山水写生教学的两个误区 误区之一："泥古不化"。过分强调临摹所得的山水画技法，特别是山石皴法等，结果是要么活山水被程式所囿写成死山水，要么是 思路被真山实水所束缚，而找不到表现的方法。 误区之二："食洋不化"。是以西画速写的方法直接移植入国画山水写生中，把国画写生等同于硬笔明暗速写或线描速写。其直接恶 果是当速写得心应手之后，无论平时随手挥写，或严肃的创作，所 画之作几乎全为一副"速写相"。这些画作，如果光从画面视觉效果看，可能也不错，但却不能称是中国山水画。因直露和肤浅，直接 决定了其品格的低下。 当前，"速写相"现象几乎泛滥了全中国，其形成的历史原因已无庸多言。令人担忧的是，在许多学者和教授者，甚至能够左右美术 发展方向的领导者，仍热衷于此类"嫁接"。一些人全不顾东、西方 艺术之间的巨大差别，结果将中国画体系弄得千疮百孔，自断生路。
浅谈山水画创作 摘要： 要画一幅山水画，首先要构思画面的内容，在进行构图布局，然后把要表现的内容合理恰当的安排在画面当中。运用一定的笔法、笔墨，按造作画的规律与步骤进行创作。 关键词： 布局构图皴擦点染树木 山水画在中国绘画史上占有极其重要的地位，它凝聚着这中华民族丰富的智慧和感情，也体现着东方艺术崇高的审美思想。把描绘大自然的画称为“山水画”，而不叫做“风景画”，是具有其他独立含义的。“河山”“江山”“山河”是“祖国”的同义词，因此山水画可以说是爱国主义精神在中国艺术中的具体反映。 山水画借描写自然景物以表达作者情感，借景抒情，从一开始便明确了主客观辩证统一的创作道路。“寄情寓意”“缘物寄情”，意与景汇，景与情通，情景交融而产生“意境”，这便是山水画的灵魂。 写形传神，山水画神形兼备，是中国山水画艺术创造的最高则，也是一条基本规律。写形是传神的手段，传神是写形的目的。 “搜尽奇峰打草稿”“宇宙在乎手”“造物在乎我”，这都要求在长期观察、研究自然规律的基础上，做到“胸有丘壑”“胸有万象”。苏东坡说： “必须得成竹于胸中，执笔熟视，乃见其所欲画者，急起从之，振笔直遂，以追其见。”这样在作画时才能任意挥洒，顷泻而出。 山水画比较重视自然物象的本质和常态，偏重物象的固有色，以简单对复杂，把自然界的色彩做单纯典型化的处理，以大块典型画的色块相互映衬取得物象间的对比和协调，从而获得富于装饰趣味的独特效果。 一、布局、构图
出于对山水画的兴趣与了解，最终确立写意山水为毕业创作题材。写意山水讲究意境，而意境又是根据整幅画的布局构图即山石、树木、房屋、舟桥、人物等，安排笔墨的运用来表现。整幅画由近景、中景、远景三个部分组成。在确立了整幅画的布局之后，开始安排细节的部分。山水画的构图要讲究一定的规律和法则。所要描绘的内容需要经过概括、取舍、适当夸张艺术加工手法、采用适当的构图方式，把所要表现描绘的物象巧妙的安排在整个画面当中。 画面当中的留白部分不是因为留白而留白，它是为了整个画面的布局构成。房舍安排在中景，作为整幅画的描绘场景。房舍之后就是作为远景的高山。远景与中景是利用云雾连接的。 画面构成就要考虑其绘画语言。绘画作品的内容最终要通过一定的绘画语言，才能表现使它成为可视的感性形象。山水画的绘画运用语言也是运用点、线、面、色等视觉造型语言。 笔墨技法对山水画的意境营造起着重要的作用。画面中的山石树木点景均有其完整的程式。 例如山石的皴法就包括披麻皴、斧劈皴等多种皴法。其次，树木的位置安排，要考虑其前后虚实，还有各种不同树木的搭配使画面更和谐整体。画面中的山石、树木、房舍通过用笔用墨来表现塑造的。这就要涉及画面墨色的运用。古人云： “有笔有墨，笔墨二字，人多不晓，画岂无笔墨哉？但有轮廓而无皴法，及谓之无笔；有皴法而无轻重、向背、明暗、即谓之无墨。”“以墨为主”“以墨为彩”是中国山水画的独到之处。因为表现的对象比较复杂，要求画面能有“大”“多”“深”“厚”的感觉，通过勾、皴、擦、点、染，层层递加。 二、笔法、墨色运用 1．勾 山水画不是一遍就可以完成的，需要层层递进，反复多遍才可完成。在第一遍干后，再递加第二遍，否则渗化在一起，易臃肿浮胀。第二遍是第一遍的
中国山水画创作的方法与技巧 “外师造化，中得心源” “外师选化，中得心源”，是唐代水墨山水的张燥提出来的。据说，张操有一次在荆州官吏陆伴家作客，轩外森森牵竹引起了他的创 作激情，就主动要求主人取绢素，当场作画。张操在众多宾客的围观中，旁若无人，挥笔直扫，“若流电激空，惊飓戾天，毫飞墨喷，摔 掌如裂”，不多时就完成了一幅奇异的山水画，画面上有苍松怪石， 有激水流云，十分生动感人。有一次他的朋友毕宏，向他请教创作经验，他回答了八个字：“外师造化，中得心源”。“造化”，指的是 大自然，“心源”是指画家思想感情。说画家在创作过程中，要把客 观对象与主观思想感情结合起来，首先是从大自然中吸取创作原料， 忠实于所描绘的对象，但做这个步还不够，还需要在头脑中加工制作，并融入自己的激情。“外师造化，中得心源”八个字，揭示了一个准 确的创作过程，千百年来，成为指导绘画创作的法则。 张操的创作经验是十分宝贵的。学习山水画创作，一是要深入到 大自然中去，以真山真水为创作素材，不能闭门造车，把别人的作品 作为创作的依据，关起门来搞“搬山运动”，那不是成材之路。二是 要把自然形象加工制作为艺术形象，不能当“照相机”，在照相技术 非常发达的今日，绘画之所以没有被照相所代替，正因为它包含着画 家的主观精神。画作来源于现实，但高于现实。人们说“西湖风景美 如画”，说明风景虽美，但毕竟不如画家笔下的风景美。一幅绘画， 如果没有溶入画家的思想感情，就不是好作品。 “意在笔先” 早在唐代，一些书画家已理解到准确的创作过程，应该是“意在 笔先”。书法家卫夫人《笔阵图》中说：“意后笔前者败，意前笔后 者胜”。美术评论家张彦远更明确指出：“笔墨形似，皆本于立意归 乎用笔”。于是“意在笔先”就成为指导画家实行创作的准则。五代 山水画大家荆浩说：“凡画山水，意在笔先”。元代四大家之一的黄
浅谈中国画的写生与创作 在中国画的造型艺术中，写生与创作是两种不同的表现形式，两者是紧密相连，逐渐转换的因果关系，写生与创作是中国画家终生探索与追求的热门课题。 历代有成就的中国画家都重视写生。唐代的山水画家张操，十分肯定姚最的“外师造化，中得心源”的观点。明代沈颢在其画论中说：“董源以江南真山水为稿本；黄公望隐虞山即写虞山，皴色俱肖，且日囊笔砚，遇云姿树态，临勒不舍；郭河阳取真山惊涌作山势，尤称巧绝”。现代国画大师徐悲鸿先生提出“吾所师法者造物而已，碧云之松吾师也，栖霞之岩吾师也，田野牛马、篱外鸡犬……亦皆吾所习师也，窃愿依附之而谋自立焉”。他认为写生是“外师造化”的基础，也是画家认识自然，认识生活的重要手段。“外师造化，中得心源”是中国绘画中最有活力、最有朝气、最能反映生活、也最能表达画家思想感情的画论，它是绘画遗产中的精华。 “搜尽奇峰打草稿”是石涛的名言，也应该是山水画中的核心。石涛的早年，屡游安徽的敬亭山、黄山，中年时苦行江、浙、皖等地的名山大川，二十多年间，云游四方，成了“诸方乞食苦瓜僧”。他长期在山川中漫游，使他的感情融化在大自然中，感受到“山川使予代山川而言也，山川与予神遇而迹化也”。他客观地对待自然中的山川——“搜尽奇峰打草稿”，主观地表达他对客观事物的认识——“予代山川而言”，他和山川成为一体，从而名山之精华，大川之灵气为“神遇”，并将画家自己对名山大川的认识“迹化”成幅，这样的作品便是徐悲鸿大师所说的“感觉敏锐，韵趣隽永”。石涛说：“得山川之理者山川之质也，得笔墨之法者山川之饰也”。得山川之理，是说画家对大自然的认识、理解，只有对大自然认识的深化才能得其精华。 写生是发展艺术，推动艺术，积累素材的重要手段，是画家对客观事物的认识，再认识，并不断深入的过程。画家通过长时期的体验生活，进行写生，才能更加深入地了解大自然，认识大自然。就会对春、夏、秋、冬，风、雪、雨、云，以及朝晖、夕霞中的山川景物的变化了然于胸。因为能够对自然景物有充足的时间观察，还可以在不同季节，不同天气情况下，了解到自然景物的不同变化，所以说，这时的画家对自然景物的认识和理解是深入的，细致的，甚至是本质的。如果在深入生活进行写生时，如同旅游团一样地观光游览，走到那里都是蜻蜓点水，走马观花，不能深入下去，那就只看到大自然的表面现象，而不能得到自然景物的真性情和内在美，甚至不能激发出真实的，深邃的情感。中国山水历来提倡不但要画其景，更要画其情，画其性。只有得山水之灵性，才能得到绘画的真谛。正如明代李日华在其《六研斋》笔记中所讲：“凡状物者，得其形不若得其势，得其势不若得其韵，得其韵不若得其性”。清代王翠在《题画》中说：“昔黄子久日坐湖桥，看山饮酒，以造化为师，得其神韵，不在形似，遂尔入妙”。 “以造化为师，得其神韵”，是中国画家对生活深入认识的结果。大自然的形是直观的，而气韵却是感知的。在写生的过程中，如果不能抓住山川景物的神韵灵性，而只是画其形，画其景，即只看到和抓住山川景物的表面和外在的东西，
【标题】浅谈山水画学习的心得体会【作者】罗礼洪【关键词】?山水画??学习方法??写生??艺术?? 【指导老师】陈文安【专业】美术学【正文】 引??????言 中国山水画从古到今流传几千年，有着悠久的历史。中国山水画至今流芳百世，山水画的技法千奇百怪，变化多端。应从实践中去理解、去学习，实践是检验真理的唯一标准。只有写生才能形象地、真实而具体地深入认识客观世界丰富和提高形象思维。写生是对客观事物的认识、认识再认识、不断深化的过程。在写生的过程去学技法和规律，掌握一般规律，这样才能更好的提高自己审美观、价值观、人生观。当然艺术决不是某一种事物的图解和说明，它是艺术家在深入生活中得到了深刻的认识和强烈的感受。艺术也是要求对生活进行高度集中和概括，要求典型化、理想化、从而创造出比现实更美好，更富有诗意，更理想的艺术境界，创造出革命时代新的意境。 美术是创造性的工作，真正搞好是不容易的。路子要走正；还要下很大的苦功夫。“生而知之，不学而能”是没有用的，只有学而知之。对学画的人来说，天份是有高低区别，但也只是学习上有快慢之分，绘画本身应该说是很难的，因为它不仅是门学问，同时还要有很高的
技能。因此我认为要了解很多学术知识。首先了解绘画基本功如下： 一、学习山水画的基本功至少有三个方面的要求 1、是一般的造型能力。绘画语言是以可视形象反映客观事物，造型能力不好等于没有绘画语言，造型能力，指对形象、轮廓、明暗、层次、透视等的描绘能力。即对客观事物的刻划要准确，提高一般的造型能力，是艺术发展首要的前提。 怎样对待素描？我认为学中国画，山水画学点素描是可以的，或者说是必要的，素描是研究形象的科学，它概括了绘画语言的基本法则和规律，素描的唯一目的，就是准确的反映客观形象。客观描绘的准确性、体面、明暗、层次。光线的科学道理，对中国画的发展只有好处，没有坏处，我们的一些前辈画家。特别是徐悲鸿把西洋素描的科学方法引进中国，对中国绘画的发展起了很大促进作用，这是近代美术史上的一大功绩，我想这是任何人都不能否认的。有人说：学中国画的学了素描有碍民族风格的发展，我是不同意这样的看法，我学素描时间比较短，我曾有补习素描的打算，假若我的素描修养能再多些，对中国画创作会带来更大的好处，说西洋素描会影响发展民族风格，这是一种浅见。缺乏民族风格关键在于对民族传统的各个方面没有进行深入的研究，没有把自己民族的东西放在主要地位，而不在于学了素描。实践是检验真理的唯一标准，徐悲鸿先生在欧洲学习素描功力最深，造诣也最高，后来他画了大量的中国画，能说他失去民族风格了吗？我看不光没有失去，反而是促进了中国民族绘画艺术的发展，使民族风格发出了新的光彩，中国是一个有高度发达的传统文化的国
山水画创作技法 构图的基本步骤 传统的“六法”用笔中讲“经营位置”，其 实就是讲绘画布局的章法，即构图。所谓绘画中 的“位置”应该用心去“经营”，要根据对象的 结构和格局，苦心加以组织和布置：在创作的时 候，要注意表现对象的特点和神韵，落笔要肯定， 一下笔就抓住物象的特征，主题要鲜明。 先用墨线勾画出景物的大感觉，构图注意重 心(见图1)。先落墨点出小山丘，一般起笔落墨 为有浓淡的湿墨，接下来干笔走线条向外扩张， 线条由简到繁、由疏到密；最后加点、擦、皴。 注意点擦时变化要多，以中锋点、散锋点、侧锋擦，营造出山村郊外的苍野和自然(见图2)，主题不断的深入，使画面更加丰富多彩。
传统绘画的程序是皴、擦、 渲染，最后上色。渲染是统一画 面的后一道工序，待墨线干后， 再用湿墨染出山石图像的明暗 (见图3)，注意要保留一些光亮 的地方，即留白。处理画面的留 白要讲究虚实对比。 上色可根据画面的需要和你想要表现的题材与内容。一幅画可以是水墨淡彩，也可以是浓墨重彩。同一幅作品可以给人两种感觉，这要取决于你在设色时选择了哪一种表现方式。水墨淡彩给人“雅致”的感觉，而浓墨重彩则给人以厚重和强烈的视觉冲击力。 山石结构与皴法 骨法用笔是传统“六法”中最基本的技法之一，是 关于绘画用笔的问题，也是运用“线”表现对象形体的 重要技法，骨力、骨气，形似皆于本意，而归乎用笔。 因此，“骨”便是指“线”的力度与变化，以及整幅画 的“骨架”。 中国画表现山石的基本技法就是皴、擦、渲染。先 皴石的外形轮廓以及轮廓以内山石的不平纹理。所谓皴， 就是山石结构的纹理线条；擦是指在山石轮廓线旁擦出
浅谈山水画写生的学习体会 山水画是国画重要的组成部分，自南北朝独立成科，迄今大约已有1300多年的历史。历经各代艺术家的实践，业已形成了其相对独立的艺术体系。 传统山水画的学习途径主要是通过临摹、写生、创作来完成的。写生是“外师造化”的过程，是从“所见”到“所知”，由“视觉”到“传达”的过程，它需要一个长期积累的过程才会有所结果。通过对生活的真实体验，用写生的方法把生活中有意味的形式加以记录，从而为以后的创作积累素材；素材是创作的基础，只有掌握了丰富的素材资料，进行创作时，才能有所选择。写生的形式是多样的，无论是浅绛、水墨或者青绿，其目的都是在于对作品内在精神的表达。“写境”，即寄情于真实的自然景观；“造境”，即建立在自然物象的基础之上，强调作者对情感的表达。 我们从熟悉的校园来到新鲜的大自然，空间的变换给了我们不同的感受，身处自然，感触自然。才能更深刻的表现自然，画家石涛就曾久居深山数十载，之后在自己的画作上无限感慨的题写：“搜尽奇峰打草稿”的字样，其意在于，告诫后辈在进行绘画创作之前，一定要有大量的实践积累作为基础，做到成竹在胸，这样才能创作出生动而丰富的作品。下面是我在前一段时间的写生中的几点体会： 1、感悟自然。首先要培养自己的情感，用心去热爱自然，感受自然，把自己置身于自然，去感受山川的空灵。古人云：“悟对通神”，想要准确的领悟山水画的绝妙境界，最重要的一点就是在创作的过程中能够全身心地投入，用自己的真情实感去体会。让自己的心灵融入到纯美的大自然当中，真切地感悟山水的灵魂。只有这样，才能使画者的心灵得到净化，进而使山水画的精神得以升华，做到“情境合一”。 2、观察自然在感受大自然的同时，还要注重培养自己的观察方法，认识大自然的形态、特征和生长规律。春景则协和销烟笼，长烟引素，水如蓝染，山色渐青。夏景则古木蔽天，绿水无波，穿云瀑布，近水幽亭。秋景则天如水色，簇簇幽林，雁鸿秋水，芦岛沙汀。冬景则借地为雪，樵者负薪，渔舟倚岸，水浅沙平。凡画山水，须按四时。此为自然之理法。自然界物与物之间的关系，山与山之间，山与水之间，山与树之间，树与树之间，水与水之间，人与山水树木之间等等，既要整体，又要局部，整体去观察山的势，局部看精彩的部位，总之，摆在我们面前的自然界犹如一幅画。既有山的开合，又有精彩的画眼和严谨的局部，而关键就在于你要如何去发掘它潜在的魅力。 3、描绘自然学生通过前一段的临摹以后基本有了一定的技法基础，根据我们对自然的观察和感受就应该细心的描绘，在描绘自然的同时还应该注意以下几个方面： 构图因为中国画与西洋画在构图上是有根本区别的，西洋画的构图属焦点透视。而中国画一般都是散点透视，不受定点的约束，意在体现“望秋水，神飞扬：临春风，思浩荡”的感受。 取景可分全景和局部(小景)，取全景时要体现主次关系，还要注意加减，山可以加可以减。也可以加些生活素材，如房子、人物、树木、河流等用以点缀，也可取小景，比如山之一角。水之一涯，可构成一幅小画面。 意境在画的同时就是你创作的同时，你可以用心去感受，可以把春天画成
山水画写生心得体会 山水画写生心得体会第二篇、浅谈山水画学习的心得体会_1 山水画写生心得体会 【标题】Bstyle=color:black;background-color:#ffff66>;浅谈/B>;山水画学习的心得体会【作者】罗礼洪【关键词】?山水画??学习方法??写生??艺术??【指导老师】陈文安【专业】美术学【正文】引??????言 中国山水画从古到今流传几千年，有着悠久的历史。中国山水画至今流芳百世，山水画的技法千奇百怪，变化多端。应从实践中去理解、去学习，实践是检验真理的唯一标准。只有写生才能形象地、真实而具体地深入认识客观世界丰富和提高形象思维。写生是对客观事物的认识、认识再认识、不断深化的过程。在写生的过程去学技法和规律，掌握一般规律，这样才能更好的提高自己审美观、价值观、人生观。当然艺术决不是某一种事物的图解和说明，它是艺术家在深入生活中得到了深刻的认识和强烈的感受。艺术也是要求对生活进行高度集中和概括，要求典型化、理想化、从而创造出比现实更美好，更富有诗意，更理想的艺术境界，创造出革命时代新的意境。 美术是创造性的工作，真正搞好是不容易的。路子要走正；还要下很大的苦功夫。“生而知之，不学而能”是没有用的，只有学而知之。对学画的人来说，天份是有高低区别，但也只是学习上有快慢之分，绘画本身应该说是很难的，因为它不仅是门学问，同时还要有很高的技能。因此我认为要了解很多学术知识。首先了解绘画基本功如下：
一、学习山水画的基本功至少有三个方面的要求 1、是一般的造型能力。绘画语言是以可视形象反映客观事物，造型能力不好等于没有绘画语言，造型能力，指对形象、轮廓、明暗、层次、透视等的描绘能力。即对客观事物的刻划要准确，提高一般的造型能力，是艺术发展首要的前提。 怎样对待素描？我认为学中国画，山水画学点素描是可以的，或者说是必要的，素描是研究形象的科学，它概括了绘画语言的基本法则和规律，素描的唯一目的，就是准确的反映客观形象。客观描绘的准确性、体面、明暗、层次。光线的科学道理，对中国画的发展只有好处，没有坏处，我们的一些前辈画家。特别是徐悲鸿把西洋素描的科学方法引进中国，对中国绘画的发展起了很大促进作用，这是近代美术史上的一大功绩，我想这是任何人都不能否认的。有人说：学中国画的学了素描有碍民族风格的发展，我是不同意这样的看法，我学素描时间比较短，我曾有补习素描的打算，假若我的素描修养能再多些，对中国画创作会带来更大的好处，说西洋素描会影响发展民族风格，这是一种浅见。缺乏民族风格关键在于对民族传统的各个方面没有进行深入的研究，没有把自己民族的东西放在主要地位，而不在于学了素描。实践是检验真理的唯一标准，徐悲鸿先生在欧洲学习素描功力最深，造诣也最高，后来他画了大量的中国画，能说他失去民族风格了吗？我看不光没有失去，反而是促进了中国民族绘画艺术的发展，使民族风格发出了新的光彩，中国是一个有高度发达的传统文化的国家，在中国美术史上，一些外来的文化传入，中国都有能力吸收消化，
写意山水创作分析 摘要：写意山水是中国画的代表，但是纵观当代的写意山水画创作却差强人意，在当代写意山水画的创作之中，写意精神严重缺失。造成这种局面绝非一日之寒，而是在时代的变革之中各种社会综合因素作用的结果。因此，要想解决这个问题也绝不可能一蹴而就，需要各方共同努力。但是发现了问题就要解决这个问题，目前此问题也日益受到画界的广泛关注与重视。因此，分析与研究写意山水画中写意精神的缺失，同时呼唤写意精神的回归具有非常重要的意义。 关键词：个人创作；写意山水；现状 写意精神是中国画创作之中最为重要的因素，其在中国画的艺术之路上有着悠久的历史渊源，这也正是中国之所以被称为中国画的一个重要原因，它是中国画最为独特的精神。但是，在我国现代的中国画创作领域中，写意精神已经长期处于一种被忽略的状态，甚至是严重的缺失。 1 写意山水画概述 写意两个字有着它自身的含义，写指的是用笔，意指的是造境。并不是一提写意，就让我们想到狂涂乱画，当然，也不是文人的一时遣兴，在书房之中用笔来随意写一写的意思。它指的是用比较简练的笔法来描绘大自然中的一切，写意山水画大部分是画在生宣之上，纵笔挥洒自如，墨彩飞扬，
它与工笔画相比，对景物神韵的描述更胜一筹，也能更好地、更为直接地抒发作者所要表达的感情。 在写意山水画中，就是用笔和墨来进行创作。对于笔墨本山来说，一个点、一条线、一团墨并不能说明它代表了什么，只有用其作为一种造型的手段，才能够在画作中成为具体而丰满的形象。山水画是通过笔墨来塑造景物的形象，同时还表现在画家在笔墨构成形式的探索与创造上。 2 目前写意山水画的创作现状 2.1 创新不断，但忽略了对中国笔墨的精妙把握 纵观我国当今的中国画创作，有一些作品虽然画家也是在精心绘制，但是这些作品却忽略了写意精神的高扬，对于中国笔墨的那种精妙把握逐渐忽略。这也就出现了所谓的意不足而写也不讲的问题。正是由于西方平面设计以及在色彩构成等在中国的迅速发展，在中国的写意山水界也可开始追求大方大圆的对比以及平面形式的情形。对于很多画家来说，追求新意的画作似乎更加有利可图，于是他们的主要精力便放在了创新形式的发明创造上，而忽视了对于中国传统文化的认识以及思考，片面地去追求那些新、怪的特征，更是有一些画家一味地去追求所谓的新，而将写意山水画的精髓，也就是笔墨的精妙运用抛到了九霄云外，这不能不说是中国写意山水画界的悲哀。 2.2 整体浮躁，写意精神严重缺失
浅谈中国山水画的发展历程 关键词：山水画历程 摘要：山水画的艺术发展历程人们自古以来就有着亲近自然、追逐山水的欲望。“高山流水，小桥人家”是古代人们所追逐的，便出现的山水诗；古人描绘山水，便出现了山水画；古人创造山水，便出现了中国古典园林。中国山水画与中国古典园林的起源和发展有着密切联系，两者的创作一脉相成。在漫长的发展过程中相互作用，逐渐形成了一种独特的风格和审美情趣。 一.起源（石器时代、殷、周、秦汉） 山水画是中国画中的特有的画种之一，说到中国山水画起源得先从中国绘画说起。早在旧石器时代，制陶工艺的出现使得绘画在陶器的装饰上得以表现；在新石器时代，彩陶上的装饰图案代表新石器时代绘画的最高水平；原始岩画是中国绘画最早的遗存，原始岩画包含着人类的智慧和本性，反映了原始先民的朴素理想、信仰和生活；而到了秦汉，实现了全中国的统一，宫殿壁画的大量涌现，促进了绘画的发展。这时虽未出现山水画，但出现了表现山水的图画，如东汉时期的山系平陆早园汉墓壁画《山水图》。 最早见于文字记载的园林形式是“囿”，园林里面的主要建筑物是“台”。中国古典园林的雏型产生于囿与台的结合，在奴隶社会后期的殷末周初。囿台主要是满足上层社会阶级，他们用囿台狩猎、游玩、观察天象和气候以及祭祀。而在秦汉园林则以山水宫苑的形式出现，离宫别馆与山水环境结合，范围大到方圆数百里。其中最为有名的是“阿房宫”，它首先在苑囿中建立朝宫，实现了皇家园林里的游赏、居住、朝政等活动的兼容，促使了具有宫苑式的“园”的形成。中国园林从汉起称“苑”。其中以上林苑最为著名，它是中国历史上最大的一座皇家园林。同时在汉文帝时期还出现了私家园林，《西京杂记》就记述了这个时期茂陵富人袁广汉所筑私园情况：“东西四里，南北五里，激流水注内。构石为山，高十余丈，连绵数里。”以山水为建筑要素亦在私家园林中建设。
龙源期刊网 https://www.doczj.com/doc/5618496008.html, 中国山水画的临摹与写生创作教学研究 作者：马钰谢雨轩 来源：《报刊荟萃（下）》2017年第07期 摘要：传统山水画的教学主要是通过临摹写生创作的途径来完成的。在目前相对多元化 艺术教学体系的背景下，传统山水画的教学模式仍然具有一定的积极意义。 关键词：山水画；临摹；写生；创作；教学 一、胸有丘壑的临摹 通过山水画的临摹，我们认识并掌握工具材料的正确方法，了解宋初山水画内涵的画理精神。在这个基础上，通过临摹认识山水画的文化传统继承山水画的文化精神，建立兴趣的过程中，逐渐完善人格修养，这是教学目的。为了达到掌握宋初山水画语言方式的目的，要让学生了解表现的技法，表现规律，掌握正确的运用工具材料，作画时，要求方法正确，并达到乱真的效果。按照老师选择的范本临摹。临摹作业与母本等大，侧重母本技法绝似，但不失神采，格调。学以致用，把所有的表现方法应用到创作练习上，以便更好地理解范本技法手段与神采、格调等精神内容如何统一于和。 1.临摹实践中的问题 临摹的纸张主要以生宣、生绢为主，笔宜以狼毫、兼毫中号为主。确定画家后，由浅入深、有简到繁、循序渐进的原则，要求学生选择若干局部进行临摹，以便更好地理解范本的技法的特点以及更好地控制，把握范本的风格特点。对临，起稿前，一方面要求学生对范本进行仔细分析，体会其在构图、构思、起笔、落墨各个环节上精妙之处；另一方面，要求学生自始至终把握、控制住范本的精神意象和文化境界。所谓“对临”，本质上是进入古人的一笔一墨，揣摩古人笔墨语言符号形成的原因以及发展的轨迹，使之在当代语言环境下能形成自己的笔墨语言。这就要求学生在临摹实践中，一方面培养对中国画山水形式语言之美的认知、觉悟能力，另一方面自觉意识到这是培养为文化所以之人的重要途径使临摹与人格建设有机地结合起来，避免只是停留在原作表象表现的机械的临摹。 2.画山水感言—临摹 正确审视山水画史上的各个历史时期的整体的绘画风貌，分析、研究其中的代表画家个体间的艺术风格的异同是我学习中的着眼点与出发点。研究传统应以古代有代表性的大师的经典作品入手，一是着重研究大师典型作品中的高层次的艺术规律，从一笔一墨的精微到整体形式构成的处理；二是着重于对人的研究，通过对大师们的人性精神的体察，感受大师们人生境界。一方面对大师的作品有一个更深入更全面的了解，以便更准确的把握作品，另一方面从心
《中国山水画》教案 教学目标： 1、了解中国山水画的知识和基本技法。 2、通过指导练习和临摹、创作活动，使学生能够按照正确的方法步骤进行中国山水画的创作。 3、通过学习，激发学生热爱家乡、热爱大自然的情感，对中国山水画产生兴趣。 教学重点与难点： 重点：了解中国山水画的基本特性和技法，掌握水彩静物的干画法和湿画法。 难点：中国山水画的表现技法及运用。 课前准备： 教师：多媒体课件、范画、静物、中国山水画绘画工具。 学生：教材、水彩绘画工具。 教学过程： 1、欣赏。 （1）展示课件中各个画种的图片，如：中国画、水彩、油画。 （2）教师选择其中一幅画，介绍中国山水画的概念、特点及起源。 （3）展示一些水彩作品，向学生提问，如：同学们能觉察出这些中国山水画都有哪些特点。 2、讲解。 （1）欣赏两幅中国山水画的作品，让学生通过直观的感受对中国山水画形成感性的认识。（2）思考练习。设置一道配图选择题：从油画、中国山水画、中国画中选择出中国山水画。 3、分析。 （1）给学生欣赏几幅融合了部分水彩技法的作品，提出：这些画是怎么画出来的？ （2）学生分组讨论，教师引导学生观察，讨论结束。 4、示范。 （1）教师运用准备好的水彩工具材料，示范创作步骤。 （2）让学生欣赏范作，体会中国山水画的创作过程。 5、实践。 （1）同学生用已准备好的水彩绘画材料，对中国山水画技法进行实践练习。 （2）评价。教师对学生的作业进行评价，也可以之间相互评价。 6、拓展。
（1）了解中国山水画的其他技法，如：撒盐法、压印法等。（2）希望学生们在中国山水画表现技法中找到更多的乐趣。 感谢您的阅读，祝您生活愉快。
学习山水画的三个步骤 山水画的学习应该包括三个重要步骤，缺一不可。那就是学习传统、对景写生和精心创作。学习山水画，首先要临摹古人的优秀作品。临摹的目的是什么？无疑是学习古人精湛的绘画技巧：如笔墨技巧、章法技巧以及勾皴点染的基本技法。这是一个寂寞的过程也是一个长期的过程。板凳要坐十年冷，文章不写一句空。 掌握了山水画的基本技巧就应该到大自然中对景写生，大自然是一本丰厚的教科书。李可染先生曾说过：学习山水画要研究两本书，一本是传统，一本就是大自然。可见到大自然中去，观察生活、提炼生活是山水画家必不可少的必修课。因为临摹只是解决了笔墨与技巧的问题，而只有写生才能学会如何把自然界的真实山水景致提炼概括成画面上山水形象。五代画家荆浩“写松数万本，始得其真”。白雪石、李可染等大家更是足迹遍及祖国的大江南北，名山大川。这种能力的培养决非一朝一夕的工夫。冰冻三尺，非一日之寒。当你具备了以上两种能力就可以进行创作了。山水画的创作就是画家把自己的主观审美情趣和大自然真实山水完美结合形成山水画作品的过程。创作时要按照自己的审美情趣对所搜集来的素材进行从新加工，包括取舍、变形、提炼、概括等，只有这样才能形成极具艺术感染力的典型形象。所以对景写生并不能完全等同于创作，因为那只是搜集素材的过程。对景写生就象律师搜集证据，精心创作则象律师在法庭上的应诉，应诉要比搜集证据复杂的多。如果一个山水画家不能完成创作这一步，就只能局限于临摹他人的作品或机械地描摹自然。今天是一个追求享受的时代，能忍受寂寞，甘于清贫走完这三个步骤的人越来越少。尤其对于后两个步骤，更是这样。写生毕竟是去物质生活相对落后的山野之地，创作那更是艰辛的脑力劳动，于是很多人就停留在了第一个步骤：临摹。今天能看到许多山水画作品其实就是古人作品的复制或位移后的复制。反正古人已经去见马克思了，不会从地底下出来指责你侵犯了他的知识产权。这样的作品从美术作品的角度来说它缺乏时代感，同时也无法形成自己独特的艺术风格，所以显得死气沉沉、千人一面。科学求同，艺术求异，这样的作品显然是缺乏艺术生命力的。
山水画写生方法 山水画写生方法 说起"写生"，就令人想起那种支起画夹，对景描画，一坐半天一天的经历，这一般是西画的写生方法。而在中国画，所谓"写生"，往往是"皮袋中臵描笔在内，或于好景处，见树有怪异，便摸写记之，……"（元〃黄公望《写山水诀》）。中国传统的山水画写生观中，实在是把对自然的深入观照和细微体悟放在首位，并使自然山水与画家心灵互融神会，最终达到顾恺之所说的"与山川神遇而迹化"的目的。为达此目的，光是"模写"是远远不够的。遍游名山大川，融汇于胸，然后发于毫端，而至传神。观照与体悟的功夫是必须到家的，只有这样，才有可能神遇而迹化。 中国古代山水画的写生观，其实是把人与自然山水融为一体，山水即我，我即山水，所以在"物我"之间了无阻碍，既然山水之神已达，必定形神俱足。这一点是目前现代意义的"写生"无法达到的。但其精神，对现代山水画写生教学，也有其积极作用。
（一）现代山水画写生的作用 1．写生的桥梁作用 中国画的学习，一般均从临摹入手，并贯穿全过程。作为学习国画的一种重要手段，通过临摹，能在短期内高效率地迅速了解国画的各种基本技法，从而达到事半功倍的效果。但由于国画技法，经过前人反复锤炼，已成十分完善的程式，临摹一久，很易被其完善的程式所迷惑而不能自拔。而通过写生，就能使学习者在传统技法下的程式化山水与真山实水之间架起沟通的桥梁。 2．写生的记录作用 作为游历山水时的感受的记忆手段，写生也有其重要作用。当面对真实山水时所得的感触，同时因地、因气候变化的阴晴明晦、云蒸岚飞，都会有许多变化。这些用写生记录，往往比较切合感觉，而一拍成照片，往往反而因太"真实"而缺乏感人力量。 3．写生的体微作用 比较山水画的临摹与写生，临摹等于是在求教名师，只要精研细察，必能得莫大收益。但如不能把这些临摹所得与自然真山水相比照，就不能有大收获。直接面对活生的自然山水，通过细致入微的观察，往往会有自己的独特体会。这些独特体会经过多次强化，并反复去粗存精，就会成为个人绘画风格面貌确立的起点。 2：山水写生应注意的地方 （1）不要"泥古不化"。 过分强调临摹所得的山水画技法，特别是山石皴法等，结果是要么活山水被程式所囿写成死山水，要么是思路被真山实水所束缚，而找不到表现的方法。 （2）避免"食洋不化"。 是以西画速写的方法直接移植入国画山水